RESEÑAS

UNA CITA ANUAL PARA QUE LA FÁBRICA DE LOS SUEÑOS

NOS INDIQUE LO QUE VALE LA PENA MIRAR

Constituye una verdad de Perogrullo recordar que cualquier juicio humano carece de objetividad, justamente porque emana de sujetos. 

Dicha esta rotunda obviedad, solo agregaremos que, a diferencia de la media de lxs críticxs, nosotrxs hemos hecho cine, ejerciendo el rol de guionistas, productores, y realizadores. Aun así, eso no da patente de corso. Pero el intento de no opinar exclusivamente desde la butaca de una sala oscura siempre es un plus.

No obstante, pese a las credenciales presentadas, haremos el esfuerzo - siempre justificado - de tomar distancia del juicio del fan, procurando ofrecer argumentos que sostengan solventemente las opiniones emitidas. 

 

American Fiction 

En esta comedia dramática dirigida por Cord Jefferson, un escritor de color bastante mal llevado - con todo su entorno, pero más aún con las tendencias de la industria editorial -, que desde hace un tiempo no acierta con un éxito de ventas, intentará convertirse en ghost writer de sí mismo, para publicar un libro políticamente incorrecto y concebido desde la perspectiva y el lenguaje de la población negra marginal. Para su sorpresa, ahora sí quedará atrapado en las redes de un suceso de ventas tal, que su obra no solo se convertirá de inmediato en best seller, sino que terminará adaptándose al cine. 

Pretencioso film que se propone discurrir sobre la forma más adecuada de abordar el tema de la negritud en la nueva literatura estadounidense, aunque salvo cierta discreta interpelación a los consumos que la población blanca prefiere sobre dicho fenómeno, no consigue incomodar.

Acaso su recurso más interesante - y no estamos diciendo novedoso - sea permitirnos asistir a la encarnación viva de los personajes ficcionales mientras el autor los va creando. 

Carga con 51 premios internacionales, incluido el del público en el Festival de Cine de Toronto.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=_dBHYEG45qU

 

Anatomía de una caída 

Este drama de Justine Triet es el típico thriller de carácter tribunalicio, rigurosamente guionado, excelentemente actuado y fotografiado. No obstante, aun contando con tales créditos, puede resultar una historia excesivamente expandida y de ritmo algo moroso.

Por un lado, nos presenta las emociones potencialmente románticas de la pareja protagónica, y el peligroso vínculo entre ficción y no ficción en que quedará envuelta, dada la profesión de ambos. Por otro, la fortuita muerte de un hombre que fracasó como escritor. La conclusión judicial del proceso parecerá avalar el suicidio, ya que su mujer resultará absuelta, aunque es la de su supuesta culpabilidad la historia que se escenifica. Acaso porque es lo que el público (del juicio y de la película) quería ver.

“Creo que ha habido demasiadas palabras en este juicio y ya no tengo nada que decir”, dirá la protagonista al final. Pero la enorme variedad de hipótesis desplegadas no conducirá a una verdad categórica, sino a lo indecible, lo inverificable, lo opaco.

 

Queda por dilucidar si rechazar una conclusión tranquilizadora es una deconstrucción de la narrativa tradicional… o una variación de un tipo de narrativa a la que estamos acostumbrados, una narrativa abierta, una narrativa reflexiva, una narrativa que juega con abismarse a sí misma, en definitiva, la narrativa de una película cuyo tema principal es el de los universos que abre la literatura.

Cabe destacar que la protagonista, Sandra Hüller, en esta edición de los premios está como candidata por partida doble.

El film recibió 40 galardones, incluyendo la Palma de Oro en la última edición del Festival de Cine de Cannes.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=KCdtwKRn3J0&t=7s 

 

Barbie

A quienes cultivamos un pensamiento crítico no nos pasa por alto el rol que ha venido jugando a nivel sociocultural la muñeca que da nombre al film, paradigma racista de la belleza hegemónica.

Sin embargo, la directora Greta Gerwing, recurriendo a la estrategia del karateka, resignifica los sentidos originales del producto, ofreciéndonos una Barbie que, en contacto con el mundo real, toma conciencia de la función que se le ha asignado, la revisa autocríticamente y, ya empoderada, se redime.

Consejo de amigo: Vean CUALQUIER film estelarizado por la gigantesca Margot Robbie y, si su trama no cotiza, disfruten exclusivamente de su perfomance. Nunca defrauda.

Arrastra 116 premios internacionales, la mayoría por la canción de Billie Eilish ¿What Was I Made For? 

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=_hEXvOxQm30&t=6s

 

Los que se quedan

Esta deliciosa comedia dramática de Alexander Payne cuenta la historia de tres soledades. Aunque ninguna como la del protagonista, un riguroso profesor vitalicio de Historia Antigua en un prestigioso colegio de Massachussets, cuyo único amor son los textos clásicos.

El film ubica la acción - créditos y estética incluidos - en los ya míticos 70s, década no solo ponderable porque haya sido hasta ahora la última vez en que los pueblos del mundo estuvieron a punto de tomar el cielo por asalto, sino porque también nos recuerda a uno de los mejores cines que se haya producido en la historia contemporánea. Y ese contexto aquí está cuidado al detalle:  Desde el afiche de Martin Luther King en la habitación de la cocinera negra, pasando por los Underground Cómix que popularizó el legendario dibujante Robert Crumb (y ojea el protagonista), hasta una función de cine compartida entre profesor y alumno en la que se proyecta Pequeño Gran Hombre (1970, Arthur Penn), donde puede verse a un jovencísimo Dustin Hoffman.

El perfil del Profesor Hunham (un Paul Giammati en la cúspide de su carrera dramática) exhibe una contenida pero profunda humanidad, que aparece por ejemplo en escenas como cuando durante un almuerzo con el curso a su cargo reacciona contra esos estudiantes acomodados, en defensa de la cocinera, cuyo hijo acaba de morir en la Guerra de Viet Nam (el joven casualmente se apellida Lamb: ¿"cordero de Dios que lavas los pecados del mundo"?),  espetándoles que la vida de la mayoría de la gente sin privilegios es como la escalera de un gallinero: "corta y llena de mierda". Y ella lo escucha, conmovida, desde su modesto pero imprescindible puesto de trabajo.

El fin de ciclo lectivo hará que el viejo docente deba permanecer en el establecimiento, castigado por reprobar al hijo inútil de un político influyente, estadía que ha de compartir con la ya aludida empleada a cargo del buffet y el indisciplinado pero lúcido estudiante Tully, cuyo padre está internado con un cuadro paranoico y su madre no está dispuesta a compartir las fiestas de fin de año con él porque tiene previsto irse de Luna de Miel con su nueva pareja. Esa especie de retiro forjará entre los tres algo así como una familia disfuncional.

Cerrando la historia, Hunham tendrá su “claro día de justicia”, al cabo de lo cual responderá tardíamente al interrogante de su ya dilecto discípulo, quien le preguntara a qué ojo debería dirigir su mirada al conversar - ya que el académico padece de cierto estrabismo -, recibiendo por elocuente respuesta la recomendación de optar siempre por el ojo rebelde.

Cosechó 93 premios internacionales. Paul Giamatti y Da’Vine Joy Randolph (la cocinera) vienen arrasando.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=8Q7tDTpY7H8

  

Los asesinos de la luna 

El talentoso crítico español Alejandro Calvo (SensaCine) afirma que con el tiempo nos sentiremos afortunadxs de haber sido contemporánexs de Martin Scorsese (nosotros, por lo menos del de Taxi Driver, Goodfellas, y Gangs of New York) 

Tal vez este no sea su filme más memorable, pero lo dignifica en sumo grado abordar una historia basada en hechos reales, que contribuye a comprender que la grandeza de los EEUU se ha edificado gracias a la rapiña de los poderosos. 

Cuenta con una actuación en piloto automático de Leonardo Di Caprio, un promisorio desempeño de la protagonista femenina, y un De Niro en un nivel que extrañábamos.

Llega con 95 premios internacionales. Participó fuera de concurso en la última edición del Festival de Cine de Cannes.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=DwepELZgs-Q

 

Maestro

Martin Scorsese y Steven Spielberg producen esta nueva incursión del actor Bradley Cooper en la dirección cinematográfica, para la señal Netflix. Cooper es un intérprete con potencial, que se luce como tal en momentos minimalistas, más que en desaforadas perfomances que - aún legitimadas por el desempeño del propio Leonard Bernstein durante la secuencia final de créditos - se acercan a un innecesario regodeo narcisista. Lo acompaña una excelente actriz. Su personaje sabe que Bernstein es bisexual, y Bernstein sabe que ella tiene un amante, pero ambos se idolatran; ella - una actriz de reparto -, muy a pesar de diluirse ante la fama prodigiosa de su marido.

El músico al que tributa el film fue ante todo eso, un inspirado compositor y director de orquesta. Cooper es actor, y Bernstein escribió partituras memorables para la Historia del Cine. Bien podría haberse tratado entonces de una interesante manifestación de cine dentro del cine. Pero el director desiste de hacer eso y se extravía en los vericuetos de una vida sin tanto atractivo como para sostenerse en las 2 horas y 11 minutos que dura el film.

Puede que, de todos modos, la Academia sea generosa con esta pieza, como cada vez que uno de los suyos se muestra avejentado, sudoroso y padeciente, en un largo plano cerrado.

Acumula 18 premios internacionales y compitió sin suerte en el Festival de Cine de Venecia. 

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=MEXPgGufaQE

 

Oppenheimer

Lujosa mega producción de Christopher Nolan con un siempre ajustado Cillian Murphy, con momentos memorables como el del contrapunto entre el inventor de la Bomba Atómica y Albert Einstein, y - en nuestra opinión - con un enfoque demasiado condescendiente hacia una figura a la que indisimulablemente se intenta exculpar de las consecuencias humanitarias que produjo una inteligencia puesta al servicio de los intereses bélicos de su país.

Palabras aparte merece el desempeño de un Robert Downey Jr., que encarna a una suerte de Salieri del protagonista, ofreciendo una de sus actuaciones memorables. 

Se ha hecho con 227 premios internacionales. De los 10 títulos en danza, es la que más galardones obtuvo.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=x6nLCfiCc6w

 

Vidas Pasadas 

Sabido es que el amor, la amistad, y la muerte, son algunos de los temas universales que alimentan la narrativa desde tiempo inmemorial. No obstante, resulta lícito preguntarse si aún queda por contar historias interesantes sobre el poderoso sentimiento que motoriza a la mayoría de las relaciones humanas. El conmovedor filme de Celine Song demuestra que así es.

El punto de partida de esta historia es un plano medio de dos hombres jóvenes y una mujer en la barra de un pub. Son una pareja de coreanos y un norteamericano, este último ajeno al intercambio que los primeros mantienen en su lengua de origen. Una voz femenina se preguntará en off cuál será la relación entre cada unx de ellxs.

A continuación, la trama propone el reencuentro entre el joven ingeniero Hae Sung y la nobel dramaturga Na Young - ahora rebautizada como Nora y casada con Arthur en su nuevo lugar de residencia, Nueva York - 24 años después de haber compartido escuela en su Corea natal forjando un vínculo muy sólido.

Él alguna vez le preguntará, antes de que abandone su lugar de origen, “¿Por qué quieres irte?”, y la respuesta que obtendrá será “Porque los coreanos no ganan el Premio Nóbel”.

Las charlas que compartirán, ya mayores, en ese breve lapso que la vida les concede, ofrecen una visión realista y para nada edulcorada de las relaciones sentimentales. Por ejemplo, ella explicará a su amor de infancia el tenso vínculo que ahora mantiene con su cónyuge, apelando a su ingenio metafórico:  "Es como cuando plantas dos árboles en una misma maceta: Ambas raíces pelean por encontrar su lugar".

Hasta ahí, podría decirse que no hay “nada nuevo bajo el sol”.

Pero el plato fuerte de este film se condensa en su título, que refiere a una constante en la cultura coreana: El destino de dos personas que se aman.

Será ella quien recuerde el significado que sus connacionales atribuyen al concepto de inyeon (conocerse en otra vida), antiguo proverbio coreano que significa que cada interacción entre una y otra persona, incluso un extraño en la calle, nunca es accidental. La palabra evoca al destino extendido por muchas vidas, a través de las cuales una pareja se encuentra y se ama. Luego, no. Y una vez más. Tal vez para siempre.

Habría más detalles por destacar, pero solo a riesgo de caer en spoilers que no le harían justicia a un emotivo filme, pequeño pero sabio, y de final abierto.

Ganó 76 premios internacionales. Compitió, sin suerte, en el Festival de Berlín hace casi un año. Tiene dos nominaciones al Oscar.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=W_NOBaS-HEU

 

Pobres criaturas

Desplegando una imaginería barroca sostenida por una producción descomunal, esta originalísima osadía del griego Yorgos Lanthimos abreva en una novela que presenta a un inventor - el siempre carismático y descollante Willem Dafoe - que ha sufrido en carne propia desde su temprana infancia los experimentos que perpetra sobre humanos y animales (híbridos especímenes que pululan a su alrededor), y su más exitosa creación, Bella, una suerte de criatura émulo femenino de la del Dr. Frankenstein, encarnada por una MEMORABLE Emma Stone, quien, a medida que recorra el mundo de la mano de un dandy vividor interpretado por el notable Mark Ruffalo, se irá convirtiendo en la mujer lúcida y libérrima que termina siendo. 

Una verdadera fiesta de los sentidos, de gran y trasgresora audacia ideológica.

Perlita: Aquí el mad doctor se llama Godwin, identidad que habilita a usar el apelativo íntimo God (Dios) que recibe de su creación preferida, pero que, además (no casualmente) es el apellido de soltera de Mary Shelley, la  joven escritora feminista que creó a Frankenstein.

Cuenta la leyenda que la susodicha venía de perder un hijo cuando canalizó su duelo a través de la novela que la hizo famosa, imaginando el modo de revivir a lo más amado y ya  perdido. Aquí, a la protagonista del film, quien al principio se suicida embarazada, se le injerta el cerebro vivo de su propio bebé. Cuesta no ver en ello una reivindicación radical de la autora antes mencionada.

Ostenta 69 premios internacionales, entre ellos el León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia. 

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=HGK_FyxBs2M&t=10s

 

La zona de interés

Casi un minuto en negro, solo con música, hasta que el trino de los pájaros habilita una imagen familiar bucólica - a la vera de un río, estilo Renoir -, demuestra que Jonathan Glazer, director de este film, sabe cómo prologar lo que vendrá a continuación: Un filme sobre el nazismo sin imágenes cruentas, pese a que los horrores del Tercer Reich estarán latentes durante todo su metraje.

Reencontramos aquí a la actriz que protagonizara Anatomía de una Caída, co protagonizando una historia que finca su punto de vista narrativo en la retaguardia del Holocausto, donde tiene lugar la apacible vida cotidiana de sus jerarcas.

Poniendo de manifiesto "la banalidad del mal" a la que se refiriera Hanna Arendt, en una distendida charla, mientras las mujeres de la casa desayunan, las visitas masculinas analizan los detalles técnicos de "la cremación de las piezas", que no son otra cosa que esos reclusos que a menudo proveen de víveres al hogar de sus verdugos. Los niños, en tanto - como es de prever en tal contexto - juegan a los soldaditos.

El plano del comandante fumando un habano en su parque al borde de una piscina, mientras en el horizonte se avizoran las chimeneas de un horno crematorio, resume todo el sentido del film, y acaso, como ocurre en pocos que abordan el mismo tema, la monstruosidad que este pone de relieve sin recurrir a golpes bajos. En la secuencia siguiente, el dueño de casa - que tiene hijos con su cónyuge y sexo con una amante - contará un cuento de hadas para dormir a su hija. Recurriendo al negativo blanco y negro de ese terrible presente narrativo, estos relatos se verán ilustrados por una niña que integra el plantel de sirvientes, quien coloca frutas y mazorcas entre las herramientas de trabajo de los prisioneros vecinos, como secreto gesto solidario. 

La máxima aproximación a aquel aniquilamiento sistemático perpetrado por los supremacistas germanos aquí se limitará a un primer plano contrapicado del protagonista acompañado por alaridos de horror y bocanadas de humo, cuyo origen nunca veremos. Porque el eje de la historia reside en la capacidad humana de exterminar al prójimo sin alterar la propia vida familiar.

"Ese es el muro del campo - dirá el ama de casa mostrando con orgullo su finca a la madre -, plantamos enredaderas allí, para que con el tiempo lo tapen". Esa secuencia diurna también contrasta el paisaje de la vida con el de la muerte, intuida tras un paredón. En ella se hablará de las flores que germinan en el parque, mientras ahí cerca se achicharra vidas humanas.

Reproduciendo la cadena jerárquica, ofendida con su esposo ante un intempestivo traslado, la mujer desquita su indignación contra el personal subalterno, probablemente judío. "Este es nuestro espacio vital", dirá en referencia a su finca, edificada junto a un Campo de Exterminio.

Contracara absoluta de Saló (1975, Pier Paolo Pasolini), que explicita el horror hasta la frontera de lo soportable, aquí el personal doméstico, insomne, cada tanto contempla los refucilos rojos de Auschwitz a través de las ventanas. Al día siguiente, un jardinero fertiliza el jardín con abono de cenizas humanas.

Computa 39 premios internacionales, entre ellos el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes.

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=6azoQLOqrhg

 

Hemos realizado un esfuerzo supremo por disimular qué título/s de los considerados aborrecimos y cuáles nos fascinaron. Releyendo lo escrito, parecería que fracasamos. -