Eddington

PANDEMONIUM

EN LA ALDEA GLOBAL 

“Y aunque es malo mantenerse aislado

cuando todo el mundo está tan conectado

si el diablo gobierna hay que tener cuidado

la cultura nunca puede estar de lado

no todo está en venta, no todo es mercado

árbol sin raíces no aguanta parado

ningún temporal”. 

Fragmento de “Santa Marta”,

canción del dúo uruguayo Larbanois - Carrero.

  

A decir verdad, no hemos visto aún Torrente Presidente, la sexta entrega de la saga sobre el policía guarro, misógino y fascistoide creado por Santiago Segura, pero, sin embargo - admiradores al fin y al cabo de su director y protagonista -,  hemos accedido a la mar de críticas sobre el film, ejercidas tanto por exégetas como por detractores, y hete aquí que ambos coinciden en que este “no deja títere con cabeza” (como decimos en estas latitudes) Es decir, que defenestra por igual a conservadores y progresistas. Y esto último ha incomodado sobre todo a los admiradores de Segura identificados con la izquierda.

Al cabo de ver Eddington, otra comedia negra y feroz dirigida por Ari Aster (Hereditary, Midsommar, Beau tiene miedo), que poco tiene que ver con la estética o la narrativa del dire/actor español, pero que también demuele con igual saña tanto a estadounidenses justos como a réprobos, sentimos la tentación de cuestionarnos si la crisis civilizatoria en curso es de tal dimensión que viene fomentando narrativas tan nihilistas que se limitan a impugnar de cuajo el presente sin ofrecer la más mínima dosis de esperanza en la especie humana.

En clave “pueblo chico, infierno grande”, y a la manera de Fargo (1996, Joel Coen), el director sitúa la acción en una pequeña localidad perdida en el desierto de Nuevo Méjico, en la que, en plena cuarentena por el COVID 19, el negacionista sheriff local - otra memorable interpretación del inefable Joaquin Phoenix - litigará hasta el paroxismo con un alcalde encarnado por Pedro Pascal, que saca partido de la pandemia. El diferendo, alimentado por viejos rencores que comprometen al matrimonio del primero, escalará desencadenando prácticamente una guerra civil entre los habitantes del lugar, quienes solo confiarán en sus respectivos grupos de referencia (pueblos originarios, activistas ambientales, militantes antifascistas), sin establecer alianzas de ninguna naturaleza y confrontando con una virulencia que los arrastrará al filo del aniquilamiento colectivo. En el film no hay héroes ni villanos absolutos, y cuesta empatizar con cualquiera de sus protagonistas principales. De este modo, Aster despliega una lapidaria crítica sobre la contemporaneidad de su país, que incluye duros cuestionamientos al uso de las redes sociales y el individualismo propio de la época.

Ideal para amantes de vertiginosos ritmos narrativos, del humor más impiadoso… y para fanáticos del actor que conquistara un Óscar con su interpretación del Joker.-

 

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RECOMENDACIONES 

Blood Relatives

LA SANGRE LLAMA

Plano General Panorámico de un coche avanzando por una carretera desértica de las que Hollywood acostumbra mostrar en gran parte de sus road movies. Está a punto de amanecer. Quien pilotea el vehículo estaciona en el playón de una gasolinera, lo cubre por completo con una lona, y se dispone a dormir en su interior.

Así se presenta el protagonista principal de esta comedia negra, suerte de “llanero solitario” con apariencia de rockabilly, al que persigue una menor de edad, que dará con él cuando este se hospede en un motel, generando el prejuicioso malentendido de la encargada, quien procurará desalojar a ambos arma en mano, desencadenando la furia de la jovencita, que la estampará de un manotazo contra una pared desplegando una fuerza sobrehumana, y sorprendiendo al sujeto que persigue, a quien proporcionará a continuación la información necesaria como para que el hombre entienda que dicha intrusa es el fruto de una relación fugaz perpetrada por él 15 años atrás.

La premisa de este ingenioso y divertido film de 2022 dirigido por su protagonista (Noah Segan) queda expuesta con meridiana claridad cuando la chica exige conocer su naturaleza preguntando “¿qué soy?”.

De ahí en más, ambos personajes inaugurarán una cabalgata signada por nuevas búsquedas, rechazos, y reencuentros… hasta que ella (Victoria Moroles) se sale con la suya y convence a quien se resiste a ejercer como padre de que al menos lo intente.

El resto consistirá en ensayar una dieta lo menos peligrosa posible para los humanos que encuentren en su camino, sentar cabeza consiguiendo trabajo, techo, y escuela, e intentar constituirse como familia.

Un detalle narrativo muy simpático será que mientras ejerzan una vida nómade, cada tanto aparecerán subtítulos indicando referencias espaciales (Texas, Oklahoma, Nebraska), pero a partir de que se arraiguen, tales referencias pasarán a ser temporales (al cabo de un par de días, tres meses después, etc.)

Zumbona fábula sobre la madurez y la asunción de responsabilidades sobre aquellos seres que traemos al mundo, con el circunstancial ingrediente de un pura raza y una híbrida que no requieren precisamente de agua para saciar su sed.-

 

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RECOMENDACIONES 

Bride!

MARY SHELLEY EN TIEMPOS DEL ME TOO

Lo sabemos, ya se han gastado tinta y saliva suficientes en reseñar este film. Pero insistimos: No somos un portal de estrenos sino uno dedicado al disfrute cinéfilo más intemporal.

Mal podríamos abordar la consideración del título que nos ocupa sin hacer referencia a su autora, Margalit Ruth Gyllenhaal - conocida como Maggie Gyllenhaal -, que con esta producción tal vez ha logrado su obra más relevante hasta la fecha. Se trata de una actriz y realizadora de cine estadounidense,  nominada al premio Óscar y cuatro veces a los premios Globo de Oro, que ganó en una ocasión. Como directora también ganó el premio al mejor guion del 78° Festival de Cine de Venecia por su primera película, La hija oscura (2021) Es hija del director Stephen Gyllenhaal y de la escritora Naomi Foner Gyllenhaal, y hermana mayor del actor Jake Gyllenhaal. Maggie comenzó su carrera como actriz en una película dirigida por su padre, y luego consiguió reconocimiento junto a su hermano a través de Donnie Darko (2001), una producción independiente que acabó convirtiéndose en película de culto. Su carrera detrás de cámara remontó vuelo tras la comedia sadomasoquista, La secretaria (2002), con la que recibió buenas críticas y una nominación al premio Globo de Oro. Podría decirse que, en este caso, ensaya la historia que a la autora de la novela Frankenstein o el Prometeo moderno le habría quedado pendiente.

Con tal presupuesto arranca el film, recurriendo a un close up en blanco y negro de aquella escritora decimonónica, atrapada post mortem en un oscuro limbo desde el que habrá de relatarnos los acontecimientos que supuestamente se dejó en el tintero tras publicar la obra que le concedió una fama imperecedera, parasitando cada tanto la mente de la protagonista, y desplegando una radicalidad feminista larvada en su época pero manifiesta en la nuestra.

La acción principal arranca en Chicago, a mediados de los años 30, mientras tiene lugar una reunión de mafiosos rodeados de damas de compañía en un cabaret privado. Ahí ocurrirá el incidente que conducirá a la futura heroína del film (una desaforada y memorable Jessie Buckley) al rol que ocupó Elsa Lanchester en aquella joya de James Whale titulada La Novia de Frankenstein (1935) A continuación, entrará en escena La Criatura del Dr. Víctor Frankenstein (un conmovedor Christian Bale, que da vida a un monstruo sumamente sociable e indispuesto a causar problemas), que ha vagado por algo más de un siglo con una insoportable soledad a cuestas, y habrá de solicitarle respetuosamente a una discípula de su creador (entrañable interpretación de Annette Bening) que le proporcione una compañera semejante a él. Al cabo de algún retaceo por parte de la científica en cuestión, la elegida para experimento de reanimación terminará siendo la jovencita rebelde que abochornara a sus mentores en la escena inaugural. Cuando esta vuelva a la vida y haga dupla con su pretendiente, motorizará un verdadero pandemónium en el marco del cual se empeñará en recordar su propia identidad, a la vez que ejercerá como testigo vengador de todas sus compañeras de oficio oportunamente silenciadas por los delincuentes que disfrutaran de sus favores, y perseguida por el competitivo tándem detectivesco estelarizado por Peter Sarsgaard y Penélope Cruz.

De este modo, el film construye una versión freak de Bonnie and Clyde, y quizás  la pareja disfuncional que Joker. Folie a deux (2024, Todd Phillips) no alcanzó a fraguar, aquí también embarcada en un frenético romance que tendrá como telón de fondo algunos musicales hollywoodenses - a los que esa dupla intentará emular en alguna fiesta de la alta sociedad - protagonizados por una suerte de Fred Astaire encarnado por el hermano de la directora.

En resumidas cuentas, desde esa protagonista que finalmente acabará autoafirmándose como “novia de nadie”, hasta la detective que dará un paso al frente cargando con todo el peso del caso que le toca investigar, pasando por una científica descollante que mantiene a resguardo sus irrepetibles talentos, estamos ante un film plagado de heroínas, que a su turno, cada vez que les toque eludir algún trance comprometedor, en vez de apelar a un “no” rotundo y más bien masculino, apelarán a la delicada frase "preferiría evitarlo".

Perlita ideal para quienes disfruten de las múltiples variantes desprendidas de la historia que dio a luz aquella jovencita atormentada por una fallida maternidad, durante una tormentosa noche del Siglo XIX, en la Villa Diodati donde la hospedó Lord Byron.- 

 

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RECOMENDACIONES

Hollywood

EL COSTADO MÁS OSCURO

DE LA FÁBRICA DE LOS SUEÑOS

Alguna vez nuestro portal incursionó en la dimensión menos glamorosa de la meca del cine a través de la multipremiada serie The Studio, comedia negra creada por Seth Rogen, en la que se abordaba con crudo ingenio humorístico el actual sistema de estudios, la competencia por los Óscar, y el celo entre las estrellas, contando con el atractivo de numerosos cameos de famosos: https://salonhindu.blogspot.com/2025/05/recomendaciones-studio-una-feroz.html

La miniserie que nos ocupa ahora describe de manera para nada satírica el apogeo de esa hoguera de las vanidades cuyo nombre lleva por título. Este drama histórico creado por Ryan Murphy y estrenado por la plataforma de la "ene" en 2020 consta de 7 episodios ambientados en los años 40, y narra la historia de un grupo de aspirantes a actores y cineastas que buscan alcanzar la fama en la pantalla grande al costo de cualquier sacrificio.

El combo incluye la desmitificación de varios “monstruos sagrados” del cine, abordando por ejemplo la homosexualidad vergonzante del galán Rock Hudson, las orgías perpetradas por el director de cine George Cuckor, o la promiscuidad de Vivien Leigh, estrella femenina de Lo que el viento se llevó.

Cada personaje ofrece un punto de vista diferente y único sobre la realidad encubierta de la edad de oro de Hollywood, y revela las injusticias y los prejuicios en cuanto a raza, género y sexo que todavía hoy tienen vigencia. De este modo, la saga en cuestión analiza y traslada a la pantalla las dinámicas de poder de la industria cinematográfica de hace décadas y arriesga distópicamente una hipótesis acerca de cómo sería el mundo del entretenimiento si las mismas hubieran desaparecido. 

Un destacado elenco, que cuenta con el malogrado Rob Reiner, la ascendente Samara Weaving, o la legendaria Patti Lupone, merece que subrayemos los kilates dramáticos de la talentosa e injustamente subvalorada Mia Sorvino (pese a contar con un Óscar como Mejor Actriz de Reparto 1996 por su inolvidable personaje en Poderosa Afrodita, de Woody Allen), así como al conmovedor personaje de ese productor también homosexual que se resiste a salir del clóset, magistralmente compuesto por Joe Mantello, y una sobresaliente performance de Jim Parsons, que dejará boquiabiertos a quienes supusieran que de ese actor no se podría esperar más después de su memorable Sheldon en The Big Bang Theory.

En pocas palabras, un producto de visión obligatoria para fanáticos del Séptimo Arte. Como nosotros.-

 

RECOMENDACIONES 

Pide ayuda

LO QUE PUEDEN LOS REALITYS

Por favor, abstenerse de decir “esa película ya fue comentada en un montón de plataformas”: Una vez más, Salón Hindú no es un portal de estrenos. Punto. A lo nuestro.

Quien no aguardara el retorno del legendario Sam Raimi a la realización acaso vaya a arrepentirse de leer nuestros ensayos, críticas y reseñas.

Lo conocimos a través de la ya mítica saga Evil Dead (1981 - 2026), lo redescubrimos con la inolvidable Darkman (1990), y disfrutamos a más no poder su visión de SpiderMan (2002, 2004, y 2007) interpretada por el inolvidable Tobey Maguire.

Descubrimos, además, a la magistral y versátil Rachel Mc Adams gracias a su incursión en la impagable serie True Detective, en cuya segunda temporada (2015) integró tándem con el talentoso Colin Farrell, encarnando a una detective en recuperación de su adicción al sexo.

Sin embargo, tal vez por prescindir de la saga Maze Runner (2014, 2015, y 2018, Wes Ball), lo ignorábamos todo respecto al galancete Dylan O’Brien, gran acierto de casting al encarnar al insoportable CEO del film en cuestión.

La trama va de una eficientísima empleada de una megaempresa multinacional comandada por varones misóginos que se apropian de sus propuestas y la viven bullyneando. Hasta que, debido a la muerte de su propietario, llega el reemplazo de un hijo absolutamente preciado de sí mismo, el peor de todo el plantel, quien exacerba ese mal trato patriarcal. Aborreciendo a la mal entrazada y harto verborrágica protagonista, que aguarda un ascenso prometido, el joven aborta su carrera. Y, cuando es interpelado por la susodicha, le explica que ella no da la imagen que la empresa busca… pero, en compensación, le ofrece ponerse a prueba acompañándolo en un vuelo de negocios a Bangock. Las cosas suceden de tal suerte que el motor del avión sufre una avería y la nave se precipita al océano, en inmediaciones del destino prefijado (sin spoilear: memorable escena) Así, aquella mujer sistemáticamente ninguneada pese a sus sobresalientes capacidades laborales, arribará nadando a una paradisíaca isla en la que no tardará en dar con el segundo sobreviviente del siniestro: Su antipático jefe. A partir de dicha circunstancia, la chica desplegará el Lado B de su personalidad: Una adicción a los reality shows de supervivencia. Ha llegado, en consecuencia, la hora de redimirse. Tal la ingeniosa premisa que esta comedia negra a continuación llevará hasta el paroxismo, como no podía esperarse otra cosa del estilo Raimi, quien no iba a resignarse a ofrecer apenas una ñoña fábula feminista en sintonía con el movimiento Me Too.

Algo más: Fiel a su estilo zumbón, en una secuencia en que la protagonista alucina a causa de una culpa que tampoco spoilearemos, el director se autoparodia incluyendo fugazmente uno de los espantos de su primigenia Evil Dead.

En conclusión, aventura y diversión a gran escala - que contribuyen a que pasen desapercibidos los numerosos paisajes virtuales -, a cargo de quien sabe lo que hace, sorpresas a granel, y una Mc Adams para la ovación.-

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MONDO PLYMPTON

Es poco probable que en el Siglo XXI el público afecto a la animación - cada vez más dirigida a espectadores de todas las edades - suponga que en el Olimpo de ese arte solo habitan el creador de Mickey Mouse, el del Gato Félix, el de Bugs Bunny, el de Los Simpsons, o los de South Park.

La escasamente conocida filmografía del célebre animador estadounidense Bill Plympton, por ejemplo, en Argentina fue oportunamente difundida a través del programa televisivo “Caloi en su tinta” (1990 - 2008, TV Pública)

Algunos de sus títulos más destacados son “Las Hermanas Androide”, que nos presenta a dos simpáticas coristas antisoviéticas; “Drawing Lessons #2” (1985), clase de dibujo brindada por una línea… que de pronto se distrae añorando a una tal Vera; “Tu cara” (1987), corto oportunamente nominado al Óscar; “Amor en carril rápido”; “Uno de estos días” (1985); “Cómo besar” (1988); “25 maneras de dejar de fumar”; “Plymptoons” (1990); “El sabio” (1990); “Las cosas se ponen feas” (1992); “Desenfunda”; el videoclip “Carreteras difuminadas”; “Cómo hacerle el amor a una mujer”; “Pelo de la nariz” (1995); “Huele las flores” (1996); “Boney D” (1996); “Plympmanía” (1996); “Sexo y violencia” (1997); “La apasionante vida de un árbol” (1998), que describe desde el disfrute colectivo del protagonista del título hasta su poda y utilización como adorno navideño; “Más sexo y violencia” (1998), que exhibe - por primera vez al menos para nosotros - el alevoso ingreso de un pene en una boca femenina visto desde dentro de la misma; “Cine sorpresa” (1999); “No puedes correr más que Jesús” (2000); “Comer” (2001); “Parking” (2002); “Perro guardián” (2004); el muy poético “La flor y el ventilador” (2005); y “Perro lazarillo” (2006)

Con su inconfundible estilo gráfico de carácter gestual - que recuerda a grandes dibujantes norteamericanos de los años 50, como Andrew Loomis -  y recurriendo a menudo al procedimiento de MoCap (captura del movimiento humano para ilustrarlo encima), el combo incluye el desarrollo de unos cuántos chistes que en la prensa bien hubieran podido publicarse en forma de ilustración unitaria, casi siempre con la colaboración de John Donnelly en la fotografía y de Maureen Mc Elheron en la música.

Llegados hasta aquí, resulta ineludible rendir un sincero homenaje a la figura del Maestro Oscar Desplats - pionero de la animación nacional con quien tuvimos el honor de dictar  numerosas clases de diseño audiovisual -, dado que en ocasión de presentarse en la Escuela Da Vinci de Buenos Aires la Asociación de Animadorxs Cinematográficxs de la Argentina (A.A.C.A), Yiyo Addams, otro valuarte de ese quehacer local, tuvo la atinada ocurrencia de compararlo con un personaje de Plympton.

Aventurarse a la obra de este maestro expande la noción de que el arte visual se circunscribe a Leonardo, Van Gogh, o Picasso.-

Referencia: https://www.youtube.com/watch?v=wY8M5SAw8yk

 

 

RECOMENDACIONES

Abraham's Boys

QUÉ FUE DEL Dr. VAN HELSING

18 AÑOS DESPUÉS DE LA MUERTE DEL CONDE DRÁCULA

Estamos ante la última adaptación a la pantalla de un relato perteneciente a Joseph Hillstrom King, conocido como Joe Hill​ escritor estadounidense y creador de cómics, afamado por renovar los géneros de terror, fantasía oscura y ciencia ficción, y heredero de una selecta tradición del género, como Edgar Alan Poe, H. P. Lovecraft, o su propio padre, Stephen King.

Cabe consignar que a los 9 años apareció en la película Creepshow (1982, George A. Romero), basada en cuentos cortos de su padre, quien también la co protagonizó.

Hill eligió utilizar una forma abreviada de su nombre de pila, en referencia al líder obrero ejecutado en 1997 (al que homenajea una bellísima canción interpretada por Joan Baez), a partir del deseo de obtener éxito basado exclusivamente en sus propios méritos, en vez de usufructuar el apellido de un escritor de best sellers. Tras lograr un grado de reconocimiento independiente, asumió su identidad en 2007 después de que esta se revelase en un artículo del año anterior publicado por la revista estadounidense Variety.

Hill acumula créditos como el de ser el último destinatario de las becas de la Comunidad Ray Bradbury. También ha recibido los premios William L. Crawford al mejor nuevo escritor de fantasía en 2006, A. E. Coppard Long Fiction Prize en 1999 para "Mejor Que El Hogar" (Better Than Home) y el 2006 World Fantasy Award por Mejor Novela "Compromiso Voluntario" (Voluntary Committal) Sus historias han aparecido en una variedad de revistas, como la Revista Subterránea (Subterranean Magazine), Posdatas (Postscripts) y Altas Planos Literarias (The High Plains Literary Review), y en muchas antologías, incluyendo "El Gran Libro de lo Mejor del Nuevo Horror” (The Mammoth Book of Best New Horro) (ed. Stephen Jones), y "La Mejor Fantasía y Horror del Año” (The Year's Best Fantasy and Horror) (ed. Ellen Datlow, Kelly Link & Gavin Grant).

También es fan de los cómics y novelas gráficas. Gracias a la ayuda del dibujante chileno Gabriel Rodríguez y sus propios guiones, ambos comenzaron en el año 2008 el proyecto de creación de una serie de cómics llamada Locke & Key. Dichos cómics han sido publicados por IDW Publishing en Estados Unidos, por Editorial Panini en España y la Editorial Arcano IV en Chile, y luego adaptados al formato serie de 2020 a 2022.

Además de esa producción, en cine acumula éxitos como Horns (2013, Alexandre Aja), En la hierba alta (2019, Vincenzo Natali), El Teléfono Negro 1 (2021) y 2 (2025, ambas dirigidas por Scott Derrickson), y el título al que hace referencia esta nota (2025, Natasha Kermani)

La historia de marras se sitúa en California, durante el año 1915. Ahí se ha refugiado con su familia el legendario médico holandés surgido de la imaginación de Bram Stoker, tras los sucesos acaecidos entre Transilvania y Londres, que concluyeron con la muerte del vampiro más famoso de la literatura y el cine. Casado en segundad nupcias con Mina Harker, alguna vez vampirizada y aun recibiendo tratamiento, pero supuestamente conectada en forma de colmena con los no muertos, vive además con dos hijos jóvenes a los que procura imponer su legado, manteniéndolos en constante estado de alerta.

En procura de legitimar históricamente al personaje, en una escena se verá un tratado que consigna “Holanda despierta a la fama medicinal”, ilustrado por el cuadro The Academy Lesson, pintado por Rembrandt a la edad de 26 años.

Es de destacar que, contrariando a la mayoría de las historias que abrevan en una temática similar, esta transcurre casi íntegramente de día, evocando la tesitura del padre de su autor, quien en repetidas ocasiones ha sostenido que el horror resulta más eficaz con luz diurna, cuando nadie se lo espera.

En su transcurso, y para exigir explicaciones al protagonista sobre su obsesiva cruzada, reaparecerá un tercer personaje originado en la novela Drácula, Arthur Holmwood, ex novio de la vampirizada amiga de Mina Lucy Westenra, a quien oportunamente ha debido decapitar. 

Cabe advertir a lxs amantes del género que, aunque durante su transcurso nunca decae la tensión narrativa, estamos ante una historia de vampiros sin vampiros, basada fundamentalmente en el shock post traumático que deja como secuela su ataque. 

Un producto que habrán de disfrutar mucho más quienes conocen al detalle la historia original, de la que esta funciona como secuela.-

 

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