RECOMENDACIONES

El hijo del carpintero

CUANDO EL MAL SUSURRA A OÍDOS DEL ELEGIDO

"A veces te pienso, José,

mi pobre amigo,

cuando se burlan de ti 

que solo pretendías vivir feliz

al lado de María".

 

Georges Moustaki

  

Los lectores de este portal saben que nuestra cinefilia incluye una indisimulable afición por el género de terror… y nosotros sabemos que, cada vez que incursionamos en dicho género, ellos nos abandonan. Pero, como canta Serrat, “uno sólo es lo que es, y anda siempre con lo puesto”. De modo que allá vamos, siempre atentos a no promocionar basura.

Sostienen los especialistas que el gusto por las películas de terror estriba en que el cerebro experimenta una intensa descarga biológica al procesar una amenaza ficticia desde la seguridad de un entorno controlado. Esta paradoja permite que el pánico se transforme en una forma recreativa de placer, euforia y alivio. 

Dicho esto, conviene saber que, a simple vista, el título que nos ocupa parece ser un proyecto destinado al fracaso. Al fin y al cabo, producir un film de terror en base al Evangelio Apócrifo de Tomás (sobre la infancia de Jesús) y tener como protagonista a Nicolas Cage (encarnando a José) acaso suene innecesariamente arriesgado y potencialmente terrible. No debería sorprender, en consecuencia, que El hijo del carpintero haya causado reacciones diversas en varios mercados, comenzando por el Egipto natal del director Lofty Nathan, y pasando por países como Filipinas, donde su exhibición sencillamente fue prohibida.

La trama se desarrolla en el Egipto ocupado por los romanos, quince años después del nacimiento de Jesús. Dicho adolescente (Noah Jupe) lleva una vida de nómade junto a sus padres, José (Cage) y María (la cantante FKA Twigs, la interpretación más floja), quienes escapan constantemente de potenciales  interesados en encontrarlo y condenarlo. Sin embargo, al comenzar el film, por fin encuentran un pueblo en el cual asentarse, y donde José consigue trabajar como carpintero, por más que tenga que dedicarse a tallar figuras de entidades paganas.

Por su parte, Jesús empieza a colaborar con un rabino en el colegio e intenta interactuar con los demás niños, pero es inmediatamente tentado por Lucifer (la Estrella de la Mañana), quien se presenta como una chica de mirada oscura y tentadora (Isla Johnston, gran acierto de casting) De modo tal que el Hijo de Dios interactúa con esta figura, mientras su padre trata de protegerlo, su madre intenta dejarlo ser, y el pueblo comienza a advertir que el chico no es alguien común y corriente. Eventualmente, la gente lo confunde con un hechicero, lo que obliga a José a tratar de escapar del lugar, propósito que Lucifer se empeñará en impedir. 

A esta altura de nuestra reseña corresponde aclarar que este no es un film  tradicional de horror, si bien es cierto que incluye varias imágenes sumamente inquietantes, pero no comparte los intereses primordiales del género. En todo caso lo que se propone  es introducirnos en un mundo desagradable y violento, donde la gente es juzgada y ejecutada sumariamente, las pestes están a la orden del día, e incluso alguien como José es mostrado como un sujeto riguroso y poco afectivo, obsesionado con la idea de proteger a su hijo de cualquier amenaza, por más que eso implique tratarlo con dureza.

En consecuencia, el tono del filme es consistentemente lúgubre, y la atmósfera desarrollada por Nathan es opresiva, asfixiante. Su versión de Egipto en el siglo 1 es sucia, despojada, polvorienta, plena de sufrimiento y sangre. Aún con escasos recursos, el film cuenta con una muy digna puesta en escena, utilizando extras interesantes, buen diseño de vestuario, y locaciones reales en Grecia (ya que el gobierno egipcio no quiso tener nada que ver con el proyecto) para que el espectador realmente sienta que ha retrocedido más de dos mil años en el tiempo.

Recapitulando, El hijo del carpintero presenta a una María sigilosa y casi coetánea de su primogénito; un José agobiado que ignora - y teme - la naturaleza de su hijo adoptivo; un jovencito aislado en un cobertizo porque sana sin querer a un leproso, revive a una langosta, o anuncia cuánto ha de vivir el rabino del lugar, aunque aún ignora su origen y potencial, y vive atormentado por sueños prospectivos de milagrosas resurrecciones y calvarios, en un entorno  plagado de signos arcaicos; y un demonio femenino con rostro inocente, que envenena frutas con ponzoña de escorpión, y en algún momento le suelta al futuro Mesías "tú sabes quién soy: ¿cómo te llaman cuando no estás?... te estuve buscando por años".

En resumidas cuentas, un film - accesible en Disney + - que condensa el indisimulable horror contenido en las Sagradas Escrituras.- 

 

Link para ver on line:

https://ok.ru/video/11840401508938

 

 

RECOMENDACIONES

 

La Bola Negra, el film que “completa” la obra inconclusa de Lorca

“EL CORAZÓN DE UN MARICÓN ES UN OCÉANO LLENO DE SECRETOS”

“Este país tiene demasiadas historias de amor enterradas en los campos”.

 

Federico García Lorca

en la ficción de Los Javis

 

Líneas de la intensidad de la que titula esta nota abundan en este film que, como en El Evangelio según San Mateo, de Pier Paolo Pasolini (referencia nunca más pertinente) - pero aquí en colores -, Los Javis comienzan con una sucesión de planos casi mudos (de no ser por un prácticamente indescifrable comunicado propalado desde un avión), capaces de ubicarnos en una tierra y un tiempo reconocibles, inaugurando con una secuencia trágica de corte berlanguiano una historia narrada simultáneamente en tres períodos interconectados.

A continuación, una secuencia de títulos sostenida por el clásico franquista “Soldadito español” y una sucesión de fotos de época en blanco y negro en las que algunos detalles se destacan en rosa, adelanta sutilmente la temática sobre la que busca dar cuenta el segundo film de una dupla consagrada de cineastas que acaba de disolver su vínculo sentimental.

"Nuestra pareja se había roto, por eso no queríamos sentarnos a escribir sobre qué es desear, por eso ha sido tan doloroso", así explicó su ruptura el talentoso  tándem en el newsletter Fotogramas, que a la hora de referirse a ellos lo hace en los siguientes términos: “Desde que estrenaron ‘La llamada’ en 2013, Javier Ambrossi y Javier Calvo han construido una trayectoria ascendente que les ha llevado de las series ‘Paquita Salas’ y ‘Veneno’ a ‘La Mesías’ y, ahora, a ‘La bola negra’, su consagración en el cine, que acaba de ganar el Premio del Público en el Festival de San Sebastián. Su segunda película parte de las cuatro páginas conservadas de la obra inacabada de Federico García Lorca y de ‘La piedra oscura’, de Alberto Conejero, para entrelazar las vidas de tres hombres homosexuales en tres momentos distintos de la historia de España”. Cabe agregar que, antes del estreno en su país de origen, ya contaba con un palmarés increíble: Premio a Mejor dirección en el Festival de Cannes, Premio del Público en Toronto, y aspirante a múltiples nominaciones a los Oscars.

Pero la historia en cuestión no va solo de la persecución a la diversidad - que sí es su tema central - sino de las profundas heridas perpetradas por el patriarcado con enorme consenso social, en ambos bandos enfrentados durante la Guerra Civil Española.

Cronológicamente, la primera historia es la de Carlos, un joven de familia acomodada que en 1932 aspira a ingresar en un casino, cuyos socios deciden las admisiones mediante una votación con bolas blancas y negras. Su candidatura es rechazada, en un contexto en el que su homosexualidad constituye un motivo de exclusión. La segunda transcurre en 1937, iniciada la confrontación fratricida que tuvo lugar en España. Sebastián, un músico que sobrevive a un ataque contra una población, es forzado a incorporarse al ejército sublevado. Allí recibe el encargo de vigilar a Rafael Rodríguez Rapún, un prisionero republicano vinculado al mundo artístico. La relación entre ambos se desarrolla en medio del conflicto bélico y de las circunstancias que condicionan sus vidas. Por último, ya en 2017, Alberto, un historiador homosexual, recibe noticias de una herencia procedente de su abuelo materno, cuya existencia desconocía. La investigación sobre su familia lo lleva a enfrentarse a los conflictos que mantiene con su madre, Teresa, y a descubrir aspectos del pasado familiar. Así, su historia se entrelaza con las de las generaciones anteriores y plantea cómo las experiencias de represión y silencio repercuten en el presente.

Aquí cabe reseñar los hechos verídicos que la historia recoge, así como sus licencias creativas. Entre los primeros figuran:

·      El manuscrito inacabado de Lorca, que comenzó a escribir la obra de teatro en cuestión poco antes de ser asesinado en 1936. De ella solo se conservan cuatro páginas manuscritas. El argumento que se conoce (gracias a testimonios de personas cercanas) trataba sobre un joven homosexual que intentaba entrar en un casino de Granada y era rechazado mediante la votación antes descripta. 

·      Rafael Rodríguez Rapún, personaje interpretado por Miguel Bernardeau, existió en la vida real. Fue estudiante de ingeniería de minas, futbolista (del Atlético de Madrid), secretario de la lorquiana compañía universitaria de teatro La Barraca y el último gran amor del poeta. Tras el asesinato de Lorca, Rapún se unió al Ejército de la República como teniente de artillería. 

·       En la realidad, Rapún murió el 18 de agosto de 1937 (exactamente un año después de Lorca) a causa de las heridas que sufrió durante un bombardeo aéreo del bando sublevado en el Frente del Norte (en Bárcena de Pie de Concha), falleciendo en un hospital de sangre en Santander. 

Y entre los aspectos ficcionales cabe señalar:

·   Como el manuscrito quedó inconcluso, todo el desarrollo de la historia de su protagonista (Carlos) y cómo continúa o se cierra la trama es un ejercicio de imaginación creado por Los Javis (con ayuda del dramaturgo Alberto Conejero)

·           *                Toda la trama ambientada en el año 2017 - en la que un nieto recibe páginas perdidas              del manuscrito heredadas de su abuelo Sebastián - es una creación totalmente                        ficcional. 

·       En la película a Rapún se lo muestra herido, prisionero y enfrentándose a un pelotón de fusilamiento, pero en la realidad no fue fusilado de esa manera, sino que - como apuntáramos antes - murió por las heridas de un bombardeo militar. 

·      El personaje de Sebastián y la experta literaria están tomados de la obra de teatro La piedra oscura (de Alberto Conejero), que imaginó la relación entre Rapún y un soldado, así como que la investigadora y experta en Lorca interpretada por Glenn Close es un personaje claramente inspirado en la figura real del hispanista irlandés Ian Gibson.

La elección de las locaciones que remiten a los años 30 no respondió únicamente a la necesidad de encontrar ruinas que funcionaran ante la cámara. El polvo acumulado, la vegetación que crece entre las piedras y los objetos que permanecen en las casas transmiten la sensación de que la vida se interrumpió sin que nadie pudiera terminar de recoger sus cosas. Para dar con ese efecto, el equipo necesitaba un escenario que no pareciera fabricado en un estudio. Castil de Carrias y Loranquillo tenían esa autenticidad y permitieron recrear la destrucción sobre edificios que ya mostraban las marcas del abandono. De hecho, ese paisaje tiene un significado especial dentro de la historia que cuentan Los Javis. 

La increíble factura del film es producto de una fuerte visión de los cineastas en conjunto con una serie de colaboradores notables. Lo que más destaca, obviamente, es el aspecto visual apuntalado por la directora de fotografía Gris Jordana, quien buscó inspiración de Wong Kar-Wai en Granada al cine bélico ruso.

Resulta imposible ver el film sin pensar en Gregorio Prieto, uno de los grandes artistas de la Generación del 27 y una figura fundamental de la cultura de Valdepeñas, que, pese a su estrecha relación con Federico García Lorca y otros miembros de aquella generación, ha quedado injustamente eclipsado por otros nombres mucho más conocidos. No porque La bola negra cuente su historia - no lo hace - ni porque Los Javis hayan señalado a Prieto como una referencia directa, sino porque algunas de las imágenes, los cuerpos y la forma de representar una homosexualidad vivida con libertad, o no, y deseo evocan inevitablemente a un mundo que Prieto conocía muy bien. Un mundo en el que también estuvieron Lorca, Cernuda, Vicente Aleixandre y tantos otros hombres que tuvieron que inventar sus propios códigos para poder amarse cuando hacerlo abiertamente era prácticamente imposible. Y hay algo que emociona especialmente: pensar que la historia que se cuenta de Rafael y Lorca podría haber sido también la de Lorca y Prieto, que compartieron una relación igual de estrecha.

Volviendo a nuestra mención de Pasolini, viene a cuento recordar que en el filme que le dedicó Abel Ferrara en 2014 también se incluye - como en este lo hacen Los Javis con la obra inédita de Lorca - una reconstrucción parcial de Porno Teo Kolossal, el proyecto fílmico que aquel intelectual insumiso, también homosexual y asesinado por el fascismo, dejó inconcluso.

Estelarizan este film de Los Javis con destino de clásico, entre otros, el joven y sensible cantautor Guitarricadelafuente; la siempre descollante Penélope Cruz, en boca de cuyo personaje los directores ponen algunas de las frases más memorables de esta imperdible superproducción (“vivíamos felices en pecao mortal”, o “el travestismo es la fantasía de la posibilidad, y la guerra to lo contrario”); el gigantesco Antonio de la Torre; el extravagante cantautor catalán Albert Pla; la talentosa Lola Dueñas (estos dos últimos ya reclutados por Los Javis para miniserie La Mesías); la polifacética Natalia de Molina; y una muy atinada Glenn Close, cuyo personaje da a la historia un remate imprescindible (“A juzgar por los trabajos biográficos de España, parecería que ningún español ha amado nunca, que ningún español ha deseado nunca, que ningún español ha escrito nunca una carta de amor”)

En resumidas cuentas, La Bola Negra, cuyo estreno en Argentina está previsto para el 4 de febrero de 2027, es una experiencia sensible poco frecuente, al punto de que - si se nos permite el exceso - haya que ser demasiado refractarios a la pasión para verla sin quedar temblando.-

 

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RECOMENDACIONES

Gran acogida de público para Bajo la superficie

CRIATURA PREHISTÓRICA ACUDE AL LLAMADO DEL CAMBIO CLIMÁTICO

A muchxs amantes del terror, en coincidencia con autores como Howard Phillips Lovecraft o William Hope Hogdson - ambos oportunamente homenajeados por el legendario John Carpenter en sus films En la boca del miedo y La Niebla respectivamente - nos hiela la sangre solo pensar en los misterios que puedan emerger desde las profundidades del mar.

La serie que nos ocupa combina el ominoso clima de The Terror, saga basada en la novela homónima de Dan Simmons, el mito del Monstruo de Loch Ness (en este caso, como en Alien, también se biologiza la naturaleza de la amenaza), y alguna cita de 20.000 leguas de viaje submarino, la obra canónica de Julio Verne.

Bajo la superficie entonces (título original en inglés: Below) es una miniserie canadiense de suspenso, terror y misterio creada por Jesse McKeown y protagonizada por Josh Hartnett (el hombre lobo de la imperdible serie gótica Penny Dreadful), la modelo Mackenzie Davis y Charlie Heaton (a quien conocimos en Stranger Things, y aquí confirma sus dotes dramáticas) Se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2026, antes de su estreno en Netflix el 8 de octubre del mismo año.

Su historia se desarrolla en una pequeña y aislada localidad de la isla canadiense de Terranova, que vive aterrorizada por un enigmático espécimen marino. La trama sigue a Calvin Penney (el citado Hartnett), un pescador local que arrastra el trauma por la misteriosa muerte de su padre décadas atrás, lo que habrá de convertirlo en una suerte de Capitán Ajab, solo que no en pos de una ballena como Moby Dick sino de algo así como un kraken. Para descubrir qué está ocurriendo, Calvin se alía con Fonda Howander (la mencionada Davis), una oceanógrafa que ha llegado a la zona, y que ha de advertir en los icebergs que abundan en la región, a causa de grandes deshielos, microorganismos que al ser ingeridos con el agua por cualquier humano producirán alucinaciones y una fiebre atroz.

Al igual que en el film Tiburón de Spielberg, oscuros intereses empresarios especulan con el riesgo en ciernes. Así, las ofertas gubernamentales para traslado de esa población costera hacia otras latitudes más promisorias, ha de tensionar el conflicto principal cuando la comunidad se vea acechada por algo desconocido  que pone en tela de juicio su posibilidad de vivir de la pesca.

Lejos de tratarse de una mera fábula, esta inquietante producción - como otras de carácter apocalíptico -, se basa en sólidos argumentos científicos a la hora de construir verosimilitud.  Pues sabido es que el calentamiento global está afectando al planeta con un aumento sostenido de las temperaturas, habiendo superado ya el umbral de +1,5 °C en un año recientemente, lo que desencadena profundas alteraciones climáticas y ambientales en todo el mundo, dado que la temperatura media global sube de forma acelerada debido a los gases de efecto invernadero, convirtiendo la última década en la más calurosa jamás registrada, por lo cual los casquetes polares y los glaciares de montaña se reducen con rapidez, especialmente en el Ártico, causando la destrucción del hábitat de muchas especies, y el agua marina absorbe más dióxido de carbono y calor, lo que altera sus ecosistemas, daña los arrecifes, y dificulta que los organismos formen sus conchas.

Justamente en eso se basa esta historia, mucho menos fantástica de lo que parece.-

 

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RECOMENDACIONES

La nueva Carrie

EL HOGAR DE LOS WHITE COMO CALDO DE CULTIVO DE LAS NUEVAS DERECHAS QUE CAMPEAN EN NUESTRA AMÉRICA 

En nuestro tránsito por la docencia audiovisual, cada vez que en tertulias entre colegas aparecía el tema de las adaptaciones cinematográficas, derivaba en una confrontación interminable con una profesora de Letras que sostenía enfáticamente que Stephen King era un best sellerista de poca monta.

Sin embargo, nuestro parecer siempre lo vio como un digno heredero de la tradición de género cultivada por Edgar Alan Poe y Howard Phillips Lovecraft, quien - como sus antecesores - además de en el terror incursionó en el thriller.

A veces su carácter de escritor prolífico, incontablemente adaptado a la pantalla, y dueño de una marca inequívoca que por lo general funciona como garantía potencial de sus productos, puede confundir a ese respecto.

Pero, a nuestro juicio, no existe ninguna duda acerca del talento del autor de clásicos como It, El Resplandor, Cementerio de Animales, La tienda de los deseos malignos, Salem’s Lot, Sueño de libertad, Misery, o el título que nos ocupa, nuevamente adaptado - ahora como serie - para la plataforma Prime Video, para lo cual el hombre de Maine se encarga de la producción ejecutiva.

El giro con que el talentoso Mike Flanagan - que, mientras esperamos su flamante incursión en el universo de El Exorcista, nos ha brindado joyas como Misa de Medianoche o Dr. Sleep - aggiorna una historia adaptada a la pantalla tres veces antes de esta (1976, 2002, 2013) caracteriza a la familia de la protagonista como una suerte de retrógrados terraplanistas clericales y antivacunas, condiciones que por este sur y en la Era de los Bolsonaros de la vida resultan extremadamente familiares.

No solo están presentes ahí los prejuicios post cuarentena que nos asedian cotidianamente, potenciados por el magma tóxico de las redes sociales, con sus bullings y sus fake news a cuestas, sino también el colapso de las instituciones educativas que no encuentran cómo lidiar con ese nuevo entorno. 

Lejos está la Carrie de Flanagan de ser una villana que disfruta abusando de sus poderes paranormales, más bien descripta como una niña sumisa y con afán de descubrir el mundo que sus mayores le han negado, conteste de que en otros tiempos su condición excepcional hubiera sido suficiente para ser condenada a la hoguera, quien hará lo imposible por evitar el daño a terceros, depositando de este modo todo el peso de las hostilidades en una comunidad indispuesta a convivir con lo diverso.

Sin restarle mérito alguno a la primera adaptación conocida de la novela - dirigida por el legendario Brian De Palma -, esta nueva versión, además de entretenernos, contribuye a la comprensión de un presente particularmente ríspido, ratificando cuánto le pesa a King el tiempo en que vive.-

 

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RECOMENDACIONES

Cien años de soledad

LA DESCOMUNAL OSADÍA DE ADAPTAR A LA PANTALLA LA OBRA CUMBRE DE GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ

Si de hazañas se trata, valdrá la pena recordar que, hace unos años, Alexander Kluge, uno de los padres del Nuevo Cine Alemán, se encargó de adaptar El capital de Karl Marx - un proyecto original oportunamente frustrado del cineasta soviético Sergio Eisenstein -, realizando la monumental película documental Noticias de la Antigüedad Ideológica: Marx/Eisenstein/El Capital (2008), de casi nueve horas de duración.

He aquí un nuevo tributo de la - a menudo denostada - cadena Netflix al boom literario nostramericano, tras haber producido la adaptación del Pedro Páramo de Juan Rulfo.

Cien años de soledad es una serie de televisión colombiana basada en la novela homónima escrita y publicada en 1967 por el Premio Nobel de Literatura 1980 Gabriel García Márquez, a quien - dicho sea de paso - tuvimos el honor de conocer personalmente a fines de 1986, durante la inauguración de la Escuela de Cine de Tres Mundos, celebrada en San Antonio de los Baños (Cuba), empresa a la que destinó buena parte de lo obtenido con su galardón, dado que “Gabo” era, a su vez, hombre de cine. 

Sin embargo, al hombre de Aracataca prácticamente nunca quedó conforme con  ninguna de las múltiples adaptaciones a la pantalla que tuvo su vasta obra, entre las que figuran Eréndira (1983, Ruy Guerra), Crónica de una muerte anunciada (1987, Francesco Rosi), Un señor muy viejo con unas alas enormes - cuyo set recorrimos en la ocasión antes mencionada, guiados por su director - (1988, Fernando Birri), El coronel no tiene quien le escriba (1999, Arturo Ripstein), y El amor en los tiempos del cólera (2006, Mike Newell) Dada la exquisita versión televisiva de la obra que nos ocupa, suponemos que el talentoso escritor hubiera quedado satisfecho con ella.

La misma fue desarrollada y producida por Dynamo, y ha sido magistralmente dirigida por Alex García López, Laura Mora y Carlos Moreno. Está protagonizada  principalmente por Claudio Cataño (como el Coronel Aureliano Buendía), Marco González (como José Arcadio Buendía), Leonardo Soto (como José Arcadio joven), Susana Morales (como Úrsula Iguarán), Ella Becerra (como Petronila), el actor español Carlos Suárez (como Aureliano Iguarán), Moreno Borja (como Melquíades) y Viña Machado (como Rebeca) 

Fue concebida como una adaptación dividida en dos partes, con un total de quince episodios, además de un episodio especial que constituye su conclusión. La primera parte, compuesta por ocho episodios, se estrenó íntegramente el 11 de diciembre de 2024.^[]] La segunda parte, compuesta por siete episodios, se estrenó el 5 de agosto de 2026.^[] El último episodio, denominado Gran Final, se dio a conocer el 26 de agosto de 2026, completando la adaptación de la famosa novela. 

La historia sigue a varias generaciones de la familia Buendía y la evolución del pueblo ficticio de Macondo, desde su fundación hasta su desaparición, en un relato que combina acontecimientos históricos, conflictos familiares, elementos políticos y sociales y componentes propios de lo que la crítica literaria dio en llamar “realismo mágico”. Y, en efecto, están allí, entre tantos detalles, el retorno a los suyos del alquimista Melquíades aburrido de estar muerto; la fogosa Petra Cotes, cuyo furor sexual incita a que se reproduzcan todos los animales de su finca; las mariposas amarillas que acompañan al malogrado amante furtivo Mauricio Babilonia; la abundante mensajería de los vecinos que se lleva a la tumba Amaranta para repartir entre quienes partieron antes que ella; o el alumbramiento de un hijo de padres consanguíneos, que por ende nace con rabo de cerdo.

Pero también incluye el repudio de los braceros de Macondo a las condiciones de explotación impuestas en toda Centroamérica por la United Fruit Company, sumando así una pincelada antiimperialista que da cuenta de su registro bajo la gestión del ex presidente Gustavo Petro, lo  que difícilmente hubiera podido llegar a buen puerto bajo el actual régimen fascista de Abelardo de La Espriella.

Porque - como señalamos en nuestra recomendación de La casa de los espíritus -  dando testimonio en el documental Del viento y del fuego (1983, Adolfo García Videla, Humberto Ríos), sobre el rodaje del citado film Eréndira, García Márquez decía lo siguiente:

“Lo que parece mágico no es otra cosa que la peculiaridad de la realidad latinoamericana. Nosotros a cada paso nos encontramos con cosas que a los lectores de otras culturas les parecen fantásticas, y para nosotros son la realidad de todos los días. Pero yo creo que no es solo nuestra realidad sino nuestra mentalidad, nuestra propia cultura. Nosotros estamos dispuestos a creer en una realidad que va mucho más lejos de donde la han limitado los racionalistas. Llega un momento en que los racionalistas están viendo algo que existe, y sin embargo lo niegan, porque no cabe dentro de sus normas, porque rompe sus fronteras. Y entonces dicen que es algo misterioso porque carece de interpretación científica, o sea que su método de interpretación es más limitado que el nuestro. Nosotros, que hemos recibido influencias de todas partes, que estamos hechos - como se dice - de desperdicios del mundo entero, somos mucho más amplios en ese sentido. Nuestra capacidad de captación de la realidad es mucho más ensanchada, y entonces entendemos como ‘realidad’ realidades reales, cosas que a otros parecen fantásticas y que, tratando de explicarlas, le han encontrado el calificativo de realismo mágico”.

Aquí cabe destacar otro mérito de la serie en cuestión: El actor Jesús “Chucho” Reyes da voz al autor de la novela, acompañando la acción con inspirados pasajes textuales de la misma.

Súper recomendada entonces esta conmovedora producción filmada íntegramente en Colombia, que cuenta con un amplio reparto colombiano y latinoamericano.-

 

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Link para descarga de Torrent:

1ra Temporada:

https://dontorrent.moi/serie/113323/113326/Cien-anos-de-soledad-1-Temporada-720p

2da Temporada:

https://dontorrent.moi/serie/129646/129649/Cien-aos-de-soledad-2-Temporada-720p

 

Mariana Enríquez

CUANDO LA FUENTE DEL HORROR

ES LA ARGENTINA DE TODOS LOS DÍAS

"Primero es el miedo,

después el odio,

y luego el fascismo".

Ema a su hija

en la mini serie "Mis muertos tristes".

 

Algunos fans la conocimos a través de sus cuentos, conferencias y entrevistas, o bien comprando y regalando en numerosas ocasiones la adaptación al cómic  de cuatro de sus relatos (“Bajo el agua negra”, "El chico sucio", "Pablito clavó un clavito: una evocación del Petiso Orejudo" y "El patio del vecino") tomados de la antología “Las cosas que perdimos en el fuego”, por parte del dibujante, ilustrador, historietista y director de cine de animación Lucas Nine, publicada por el sello Salamandra Graphic.

Más tarde disfrutamos de la inquietante adaptación al cine de otros dos relatos suyos (“El carrito” y “La virgen de la tosquera”) reunidos en la selección titulada “Los peligros de fumar en la cama”, dirigida por la ascendente directora Laura Casabé bajo el nombre del segundo relato, film también analizado en este portal y ahora seleccionado por la Academia local como nuestro candidato al Óscar 2026.

Pues acaba de dejarnos demudados el estreno en Netflix de los estremecedores cuatro capítulos de la mini serie “Mis muertos tristes” (nueva fusión de relatos contenidos en el libro “Un lugar soleado para gente oscura”) a cargo del talentoso realizador chileno Pablo Larraín, cuyo resultado refleja como ningún otro género hubiera podido describirlo ese magma subterráneo que el sociólogo Pablo Semán denomina mileísmo social.

Cabe destacar aquí que la protagonista - una brillante Mercedes Morán - ya había trabajado con Larraín en su film “Neruda” (2016), tanto como que dicho cineasta contaba con una incursión en el realismo mágico a través de su originalísima fábula gótico conosureña titulada “El Conde” (2023), que presenta al tirano Pinochet como a un vampiro.

Secundan a Morán grandes performances dramáticas de la versátil Alejandra Flechner como una hermana negadora que huyó de un país que la avergüenza junto con su marido, acomodaticio personaje conmovedoramente interpretado por Carlos Portaluppi, y el mejor secundario nunca reconocido del cine argentino: Germán Da Silva.

Habría que decir que, así como Adolfo Bioy Casares desde la literatura, Héctor Germán Oesterheld desde el cómic, o Gustavo Mosquera R. desde el cine ensayaron un fantástico argento, la narrativa de Mariana Enríquez suele encontrar al terror en la cotidianeidad de nuestro sórdido conurbano profundo.

En la imperdible serie que acabamos de mencionar, el entorno escogido es el violento Barrio Piedrabuena, complejo habitacional ubicado en Villa Lugano, al sudoeste de la Ciudad de Buenos Aires, muchxs de cuyxs habitantes reales animan a los personajes secundarios.

A riesgo de sonar redundantes, no deberíamos pasar por alto aquí que el mismísimo Stephen King recomendó impactado la saga en cuestión, motivando que su autora declarara “por fin me da bola”.

No estaría de más a esta altura recordar que el prolífico escritor de Maine alguna vez reunió en una nómina bautizada “Los 10 ositos del terror” (en homenaje a Joseph Stefano, productor de la legendaria serie estadounidense de TV titulada “Rumbo a lo desconocido”, quien reclamaba a sus guionistas un “osito” por capítulo, en alusión a ese terror elemental que en nuestra latitud llamaríamos el “cuco”) Se trata de los puntos de presión fóbica o miedos básicos que, según King existen en la mente humana y se utilizan - de a uno o combinados - para construir historias de suspenso y terror. Ellos son:

1.    Miedo a la oscuridad.

2.    Miedo a las cosas gelatinosas.

3.    Miedo a las deformidades físicas.

4.    Miedo a las serpientes.

5.    Miedo a las ratas.

6.    Miedo a los lugares cerrados (claustrofobia)

7.    Miedo a los insectos, especialmente arañas y cucarachas.

8.    Miedo a la muerte.

9.    Miedo a los otros (paranoia o desconfianza hacia los desconocidos)

10. Miedo por los otros (el terror de que le pase algo malo a un ser querido)

Aunque en la serie de marras nuestro crédito local en la materia abreve al menos en el primero, el tercero, el cuarto, el octavo, noveno y décimo de esos tips, ella adapta o detecta algunos netamente inherentes a nuestra latitud geocultural, como el “gatillo fácil” policial, la vendetta mafiosa del narco, la justicia por mano propia a cargo de un vecindario intimidado por la delincuencia, o la amenazante defensa de una supuesta “normalidad” por parte de la hermana de la protagonista, justamente madre de una hija que no solo  jamás encajó en tales parámetros (Carolina Álvarez, GRAN hallazgo de casting) sino que desde pequeña cuenta con el singular don de solazarse sexualmente de un modo nunca representado antes en el género (que no habremos de spoilear), quien se encargará de que la trama evolucione del quejido agónico al suspiro orgásmico.

Al fin y al cabo, estamos hablando de una producción cargada de subtextos tan provocadores como contemporáneos.

Última Línea: No sería propio de espectadores inteligentes pasar por alto una  producción de altísmo nivel, que refleja mejor que los noticieros el desesperante presente de incontables compatriotas.-

 

CALENTANDO MOTORES PARA

CONQUISTAR UN NUEVO ÓSCAR ARGENTO 

Si no en materia de fomento estatal, al menos en reconocimiento internacional, el cine argentino está de parabienes. Hace una semana, el film La ilusión de un verano sin fin, de la directora Alessandra Sanguinetti, ganó el Premio Horizontes Latinos del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en una gala de clausura en la que varios cineastas mostraron su apoyo al pueblo palestino. Sanguinetti fue uno de ellos y, tras recoger el galardón, dijo: “espero que Israel saque las garras de Palestina y otros lugares porque, de lo contrario, vamos a ser nosotros Palestina”. Su film que también se alzó con el Premio de la Juventud, es un documental que transcurre en la pampa argentina y que la directora definió hoy como “una carta de amor al campo argentino, a toda esa belleza que está en peligro”. “Mi deseo es que esta belleza siga sosteniéndose y que Estados Unidos saque las garras de Argentina”, añadió Sanguinetti.

En los últimos días, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina ha dado a conocer las cuatro películas preseleccionadas que continúan en carrera para representar a nuestro país en la categoría Mejor Película Internacional de los 99° Premios Óscar. Por orden alfabético, las elegidas en una primera ronda fueron El Partido, de Juan Cabral y Santiago Franco; La Virgen de la Tosquera, de Laura Casabé (foto); Nuestra Tierra, de Lucrecia Martel; y Parque Lezama, de Juan José Campanella. La definición de la representante de nuestra cinematografía se conocerá este 28 de septiembre.

El Partido, es un documental que reconstruye el histórico encuentro  entre Argentina e Inglaterra durante el Mundial de México 1986, y se propone recuperarlo como acontecimiento deportivo, histórico y cultural, con toda la dimensión mítica que merece el legendario gol producido por “la mano de Dios”. Si la elección final tuviera en cuenta no solo la calidad de la película, sino la circunstancia recientemente disparada por la bandera desplegada por la Selección Nacional en EEUU al cabo de derrotar nuevamente al equipo inglés, reclamando la soberanía de nuestras islas en el Atlántico Sur, probablemente se trate del film que corre con más chances de quedar como finalista, dado que aborda, además, la Guerra de Malvinas y la tensa relación entre ambos países.

Por su parte, La Virgen de la Tosquera, es la adaptación de un par de relatos de Mariana Enríquez, suerte de Stephen King local. Dirigido por Casabé con guion de Benjamín Naishtat, el film combina terror, adolescencia, deseo y memoria social y fue elegido por la misma Academia argentina para representar al cine nacional en los Premios Goya. La historia transcurre durante un ominoso verano posterior al estallido de diciembre de 2001, con aquella crisis como telón de fondo, y se enmarca en el reverdecer de dicho género en el cine local, que cuenta con talentos como Demián Rugna, Daniel De la Vega, o Fabián Forte.

Además, compite Nuestra Tierra, obra que marcó el regreso al largometraje de la directora de La ciénaga, La niña santa, La mujer sin cabeza y Zama. Concebido durante casi quince años, es el primer documental que Martel asume como largometraje. Su punto de partida es el asesinato del dirigente indígena Javier Chocobar, ocurrido en 2009 en territorio de la comunidad diaguita Los Chuschagasta, en Tucumán, y ha servido como acicate a la lucha que culminó con la reciente derrota parlamentaria de la Ley de Tierras.

Por último, cierra esta nómina Parque Lezama, marcando el regreso de Campanella al cine después de siete años. El director del oscarizado film El secreto de sus ojos adapta aquí la obra teatral que montó durante más de una década en los escenarios, verdadero tour de force entre dos actores tan descollantes como el recordado Luis Brandoni y Eduardo Blanco, encarnando respectivamente a un jubilado algo fantasioso pero que aún mantiene vivas sus utopías y a otro absolutamente escéptico.

De este modo, la presencia de cuatro realizadores de trayectorias tan diferentes torna especialmente heterogénea esta primera selección. Del horror conurbano al documental deportivo, de la exploración de la violencia sobre los pueblos originarios a la comedia dramática, los films en danza proponen distintos modos de mirar a la Argentina. De aquí en más la Academia de Cine Argentina tendrá la última palabra para definir cuál ha de ser la producción que haga pie en Hollywood  representando a este país que tanto viene enriqueciendo la producción audiovisual del Sur Global.-