RECOMENDACIONES 

EL TRIUNFO

ESPERANDO A… LA LIBERTAD

Películas sobre cautiverios de distinta naturaleza abundan. Nosotros, por ejemplo, recordamos emocionados títulos como Atrapado sin salida (1975, Milos Forman) - acaso la mejor interpretación dramática de Jack Nicholson, cabeza a cabeza con El Resplandor (1980, Stanley Kubrick) - o, por qué no, la oscarizada adaptación de la historia no terrorífica de Stephen King Sueño de Libertad (1995, Frank Darabont), interpretada por dos memorables Morgan Freeman y Tim Robbins.

En el film que nos ocupa, un grupo de convictos a la espera de sentencia se organizan en torno a un viejo actor de teatro para representar justamente la obra de Samuel Beckett "Esperando a Godot".

Al principio reticentes, luego irán soltándose y consiguiendo grandes performances dramáticas, que irán brindándoles la oportunidad de hacer una gira por los grandes teatros de Francia.

Cuando llega el momento de estrenar la obra en el Teatro Odeón de París... se producirá un giro inesperado. Pero sabido es que toda crisis encierra una oportunidad, y esta no será la excepción.

Esta conmovedora comedia dramática basada en hechos reales, dirigida por Emmanuel Courcol y estelarizada por Kad Merad, en 2020 resultó nominada en la Sección Oficial del Festival de Valladolid - Seminci, y ganadora en los Premios del Cine Europeo otorgados el mismo año.

Enemigxs de la sordidez que despliegan series como El Marginal, no temáis: Esta producción no hace hincapié en la miseria humana que suele campear en los establecimientos carcelarios, salvo por alguna fugaz alusión verbal a los antecedentes de los reclusos, sino que más bien sublima su condición apelando casi a un formato de fábula. -

 

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RECOMENDACIONES 

EL REINO ANIMAL

LA BELLEZA DE LA BESTIA HUMANA

“Quiero la vida de mi simiente,
no quiero ver un día manifestando
por la paz en el mundo a los animales.
Cómo me reiría ese loco día,
ellos manifestándose por la vida,
y nosotros apenas sobreviviendo, sobreviviendo”.

Víctor Heredia,

“Sobreviviendo”.

Sabido es que, según la “V” de la Vida, el humano es - o debiera ser - el animal más sabio de la naturaleza.

También es cierto que, ante el riesgo de que este se convierta en “lobo del hombre” - frase que popularizó el filósofo inglés Thomas Hobbes en el siglo XVII, aunque haciendo justicia hay que atribuírsela al comediógrafo latino Plauto, quien la introdujo por vez primera en su obra Asinaria allá por el siglo III antes de Cristo - lxs defensorxs del humanismo suelen ponderar la condición de otros animales supuestamente menos inteligentes, que solo depredan por atávicos motivos de supervivencia y no en uso de un libre albedrío.

Tanto el cine como la literatura han abordado en reiteradas oportunidades la probabilidad de una metamorfosis entre lo genéricamente humano y lo específicamente animal. Tal es el caso de la novela victoriana La Isla del Dr. Moreau, de H. G. Wells, que ha sufrido no menos de tres adaptaciones cinematográficas, en las que el personaje principal del título fue interpretado sucesivamente por Charles Laughton (1932, Erle C. Kenton), Burt Lancaster (1977, Don Taylor), y Marlon Brando (1996, Richard Stanley, John Frankenheimer)

Una popular serie de televisión estadounidense que se transmitió entre el 30 de septiembre y el 17 de diciembre de 1983 por la cadena NBC también hizo honor al tema, bajo el título de Manimal. Debido a no obtener la repercusión esperada, solamente se emitieron ocho capítulos antes de su cancelación. El programa se centraba en la vida del Dr. Jonathan Chase (protagonizado por Simon MacCorkindale), un hombre que poseía la habilidad de transformarse en el ser que deseara, lo que utilizaba para ayudar a la policía a resolver crímenes. Sus transformaciones más comunes eran un halcón y una pantera negra. En algunos episodios tomó la forma de otros animales, como caballos, delfines, osos y serpientes. Las secuencias de transformación fueron diseñadas por el experto en efectos especiales Stan Winston.

El film que nos ocupa recurre a esta diferencia, acaso para reflejar la actualidad de un mundo que tiende a deshumanizarse a pasos agigantados.

Solo que, en esta distopía, el tránsito del animal humano al salvaje - no explicado sino apenas justificado apelando a una supuesta epidemia -, paradojalmente ennoblece a los seres que lo experimentan, ya que, si bien los margina de la vida social urbana, no los convierte en una horda que ponga en riesgo a sus no semejantes.

Estamos pues, una vez más (y van…) ante el dilema de cómo lidiar con la otredad, ya que cada incursión de esxs mutantes en la cotidianeidad de lxs “normales” no va en busca de atacarlos sino más bien de procurar sustento. Vale la pena destacar que, en su proceso de incubación, incluso continúan siendo capaces de comprender el lenguaje que están abandonando y mostrarse razonables, no obrando como fieras desaforadas, conducta que - reforzando la metáfora que se persigue - sí asumirán sus perseguidorxs.

Tampoco es la primera vez que el tema de la alteridad aparece en el fantástico para interpelar la desgraciadamente generalizada tendencia a la intolerancia que exhibe nuestra especie. En Distrito 9 (2009, Neil Blonkamp), una nave alienígena poblada de seres con la fisonomía de unos langostinos queda varada flotando sobre el cielo de Johannesburgo, Sudáfrica, en una zona en la que se sitúa un enorme barrio de emergencia. La paradoja con que el film juega es la discriminación radical que ejerce el segmento más precarizado de la población local respecto a esos accidentales intrusos que, justamente por serlo, amenazan con empeorar las condiciones de vida de los residentes, ya que, por ser absolutamente ajenos al medio, su situación requiere de asistencia social constante. Así, serán apremiados por las fuerzas de seguridad, en clara alusión a los condenados de la tierra que pueblan la periferia global… hasta que uno de sus represores, accidentalmente, se comience a convertir en uno de ellos y, metido ahora “en sus zapatos”, experimente en qué consiste ser el último eslabón de la cadena.

La que nos ocupa es, sin lugar a dudas, una gema perdida en medio de una copiosa producción de filmes y series del género carentes de la audacia innovadora que este producto - de enorme vuelo poético - aporta.

Dos apuntes a ese respecto avalarán nuestra afirmación: Uno es el ejercicio de autoestima de Fix, El Hombre Pájaro (foto que ilustra esta nota), cuando en medio de su estrafalaria transformación afirma "No estoy terminado. ¡Voy a ser sublime!". El otro es la inolvidable partitura musical que irrumpe en los momentos culminantes, muy especialmente en un final que tornará difícil no conmoverse.

Dirigido por Thomas Cailley y estelarizado por Romain Duris, se trata de un film que hará las delicias de lxs amantes del género fantástico deseosos de encontrarse con una propuesta novedosa en medio de esta sobreabundancia distópica y de superheroísmo glamoroso. - 

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RECOMENDACIONES 

SLASH BACK

LAS NIETAS DE NANOOK CONTRA VISITAS NO GRATAS

En un remoto poblado costero del ártico, un grupo de niñas inuit (esquimales, para el mundo hispano) en tránsito hacia la pubertad alterna su vida cotidiana entre las novedades que proporciona la Aldea Global desde las redes sociales, los primeros coqueteos con algún compañerito de escuela, y la continuidad de una tradición cazadora legada por sus mayores.

En una escena que prologa el desafío por venir, comentan un filme que les ha impactado, en el que el peligro anida al interior de un grupo humano sin que sea posible detectarlo fácilmente, puesto que se mimetiza con la gente de confianza. Ese filme, no casualmente, resulta ser “El Enigma de Otro Mundo” de John Carpenter. En el marco de dicha conversación, ingeniosamente, la condición de avatar que oculta la verdadera naturaleza de alguien es utilizada como cuestionamiento a la más cosmopolita del grupo, quien procura dar la espalda a su cultura de origen.

Ese apunte del filme dirigido por Nyla Innuksuk y guionizado con Ryan Cavan, bajo la apariencia del género fantástico incluirá un subtexto alusivo a la defensa de la identidad cultural ante una agresión foránea, latente desde una introducción en la que veremos caer del cielo algo semejante a un aerolito.

En uno de sus habituales paseos, aquel cuerpo celeste atraerá la curiosidad de las niñas, que no tardarán en advertir cómo irá cambiando la conducta de la fauna del lugar a partir de dicho acontecimiento.

Poco después, cuando tales cambios se trasladen a algunos humanos, no quedará lugar a duda de que ALGO extraño a nuestro mundo está parasitando la biósfera local.

A partir de tal constatación, el grupo de heroínas, exhibiendo conductas bien diferenciadas, pero manteniendo la cohesión, en un tránsito hacia su madurez se hará cargo de la situación prescindiendo de toda ayuda adulta.

No es la primera vez que la ciencia ficción delega en la niñez la solución de un conflicto. Se ha visto en filmes como Súper 8 o series como Stranger Thinks. Y, últimamente, que a ello se sume la reivindicación mediante el heroísmo de alguna minoría étnica. Eso también está en Attack the block, donde en un barrio marginal de EEUU un grupo de niños de color repele una invasión de predadores extraterrestres sin que sus padres siquiera lleguen a enterarse de la amenaza.

A pesar de ese tácito cuestionamiento al mundo que los adultos dejamos a nuestros hijos, y afirmando el valor de los legados, en el film que comenta esta nota será justamente la puesta en acto de la tradición cazadora de la tribu la que terminará por salvar a nuestra especie de la amenaza que vino del espacio.

Recomendable entretenimiento familiar Clase B, que salva los lugares comunes a partir de la singularidad del entorno cultural en que transcurre. -

 

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RECOMENDACIONES 

El sol del porvenir

LO MEJOR DE NANNI MORETTI EN DÉCADAS

“Sopla el viento y brama la tormenta,
los zapatos rotos, y aun así debemos marchar
a conquistar la roja primavera
donde sale el sol del porvenir.
A conquistar la roja primavera
donde sale el sol del porvenir”.

Felice Cascione,

fragmento de canción italiana escrita en septiembre de 1943,

durante la incipiente resistencia partisana.

Desde el momento en que el cine es una suerte de prestidigitación capaz de engañar al ojo convenciéndolo de que lo muerto revive una y otra vez, merecería ser considerado como una de las formas de la alquimia. Si a ello sumamos que realizadores como Tarantino, recurriendo a este artilugio, se han permitido ejecutar a Hitler o salvar a Sharon Tate, no debieran quedar dudas al respecto.

Cualquiera que haya visto Caro Diario (1993) sabe bien quién es Nanni Moretti, ese actor y director italiano que ha sido a la vez un activista de la nueva izquierda intelectual de su país, de la que opina que le vendrán bien unos años de ser oposición al gobierno de Georgia Meloni, para recuperar su identidad.

El conmovedor film que nos ocupa comienza en un barrio de periferia, allá por los años 50, cuando el jefe comunal (Silvio Orlando) de la Sección Antonio Gramsci se dispone a darle la bienvenida a la visita de un circo húngaro.

Acto seguido conoceremos a Giovanni (el propio Moretti), un realizador que interrumpe esa primera escena gritando “¡corten!”, lo cual revelará que estamos ante una nueva expresión de cine dentro del cine, de nostalgia del cine clásico, en fin, de un apasionado acto de amor por el Séptimo Arte.

En un receso del rodaje, el hombre expresa a un asistente que no desea incluir ninguna imagen de Iósif Stalin en su película, ya que su acción transcurre en el año 1956, circunstancia en que la Unión Soviética invadió Hungría a sangre y fuego.

En paralelo a la trama principal, que será la del rodaje, asistiremos al desencuentro del matrimonio del director, compuesto por un par de cincuentones desavenidos, pero tan interdependientes - han estado 40 años juntos - que no pueden separarse. "Estás haciendo una película de amor pesimista"; le espetará en algún momento su esposa (Margherita Buy), muy a pesar de que el hombre considera estar haciendo un film político.

Dado que la opinión de su mujer nunca le resulta indiferente, Giovanni irá revisando la idea de que el personaje principal de su film - y alter ego suyo - se suicide. 

A lo largo de un proceso introspectivo de revisión autocrítica del guion, el hombre resolverá reescribir la historia dándole un remate menos resignado: Hará que sus personajes se revelen contra el stalinismo e interpelen al Secretario General del Partido Comunista Italiano, Palmiro Togliatti, exigiéndole la ruptura de relaciones con la URRSS, lo cual finalmente ocurrirá al interior de la diégesis. 

A la manera de un remate más optimista, asistiremos a un desfile de todo el elenco del film - del de Giovanni y del de Moretti - enarbolando la figura de León Trotsky.

Obra nostálgica del cine italiano clásico, si las hay, que pide a gritos el concurso de los elencos de su Edad de Oro - Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Ana Magnani, Nino Manfredi, Alberto Sordi -, y en la que campean desde Federico Fellini (el circo, la puesta en escena coral) hasta Éttore Scola (combinación de romance e ideología), a la que no falta nada para ser otro clásico. Ni la voz del trovador Fabrizio De André. 

A lo largo de su metraje asistiremos a una abundante cantidad de citas de grandes maestros (Cassavettes, Kieslovsky, Scorsese, hnos. Taviani), así como a algunos momentos memorables que tributan a la memoria de un cine hecho con las vísceras, a diferencia del que difunde el mainstream actual, como la escena en que todo el equipo de rodaje se dedica a analizar el sentido del plano siguiente durante una jornada entera, manteniendo a sus protagonistas inmóviles en sus puestos, o la que conlleva una demoledora crítica al modelo de producción de las plataformas, cuando durante una entrevista con productores de Netflix estos le espetan a Giovanni que a su guion le falta un "momento what a fuck".

Nominada a la Palma de Oro como Mejor película en el 76° Festival de Cannes 2023, basta con asomarse a esta obra entrañable para convencerse de que pasan los años, pero el cine de la península no pierde su proverbial vitalidad.

Quizá por eso el gran Godard haya declarado para la posteridad en sus imperdibles Histoire(s) du Cinema que “con ‘Roma, città aperta’, Italia simplemente ha reconquistado el derecho de una nación a mirarse a la cara. Y entonces llegó la asombrosa cosecha del gran cine italiano”. -

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