Las candidatas al Óscar que hemos visto hasta la fecha

QUÉ NOS DICE ESTA VEZ EL SÉPTIMO ARTE

Hace tiempo ya que la crítica cinematográfica más rigurosa viene dando cuenta de la crisis de relatos que padece la industria en cuestión, particularmente en su modelo hollywoodense, tan volcado - a falta de guiones originales - a adaptar a la pantalla grande sitcoms televisivas, cómics o videojuegos.

Sin embargo, hete aquí que la selección de filmes oscarizables para este año - de la que penosamente ha sido excluida la valiosísima producción nacional Belén, dirigida y co protagonizada por la actriz argentina Dolores Fonzi - presenta algunos títulos dignos de mención, ya que, al menos a nuestro criterio, se desmarcan de aquello a lo que nos tiene acostumbrados el mainstream.

De modo tal que, la disputa 2026 por la codiciada estatuilla ha comenzado con Sinners (Ryan Coogler) y Una batalla tras otra (Paul Thomas Anderson) como grandes favoritas, en una ceremonia donde la española Sirat (Oliver Axat) optará por dos estatuillas.  

Como se sabe, el camino al dorado galardón entra en su fase decisiva una vez hecho el anuncio de los films nominados. Tras unos Globos de Oro que dejaron pistas claras - como el impulso de la brasileña El agente secreto (Kleber Mendonça Filho) o el dominio de la actriz, cantante y compositora irlandesa Jessie Buckley en las apuestas (por Hamnet, de Chloé Zhao), la industria se prepara para el evento a realizarse el próximo 15 de marzo. De manera que films como Sinners, Una batalla tras otra,  Hamnet, Frankenstein, y Marty Supreme se las verán frente a frente en el Dolby Theatre de Los Ángeles en lo que promete ser una de las celebraciones más competitivas de la última década.

Esta 98ª edición, se caracterizará por el récord histórico que supone ver a dos películas de género batiéndose por el cobre - amén de la presencia del siempre provocador aporte ofrecido por Emma Stone y Yorgos Lanthimos con Bugonia -  y el enorme triunfo de Warner Bros., pasando por la doble nominación de la española Sirat.  

En tanto llega el día, desde esta plataforma compartiremos algunos comentarios sobre el puñado de films que hemos alcanzado a ver, sin arriesgar pronósticos, y a lo sumo esbozando lo que consideramos algunos merecimientos. 

Sinners (tras los pasos de una leyenda del blues)

Sin ánimo de presumir de vampirólogos, diremos que hemos trillado el subgénero de terror alusivo a los chupasangres nocturnos sin regodearnos con insulsas series que los muestran apolíneos y glamorosos, y prefiriendo obras selectas firmadas por Tony Scott (1983, El Ansia), Abel Ferrara (1995, La Adicción), o John Carpenter (1998, Vampiros)

A propósito de ese último título, hasta Sinners tuvimos la convicción de que sería de difícil a imposible superarlo.

Pero hete aquí que el film de Coogler comete la osadía de ubicar su acción en una Norteamérica Profunda, contemporánea de la Ley Seca, y en torno a la comunidad afrodescendiente, lo que habilita - entre otras virtudes destacables - a desplegar una memorable banda sonora fincada en el blues sureño, y engalanada por la presencia ante cámara del legendario Buddy Guy.

La historia va de dos hermanos interpretados por el mismo actor (Michael B. Jordan), que regresan a su lugar de origen al cabo de hacer buen dinero en la gran ciudad con prácticas non sanctas, y deciden comprar un galpón para ofrecer a los lugareños el aguardiente que han aprendido a destilar, así como lo mejor de la música local, combinación que genera una memorable secuencia en la que se entremezclan ritmos llegados del Continente Negro tanto como originarios del Gran País del Norte, en una suerte de plebeyo melting pot.

Pero el diablo meterá la cola frustrando lo que podría haber sido un próspero negocio, y lo hará buscando inspiración en una vieja historia local, que remite al prodigioso guitarrista Robert Leroy Johnson (1911-1938), sobre quien se cuenta que alguna vez, en un cruce de caminos, pactó con el señor del inframundo la inimitable excelencia de su música.

En resumidas cuentas, este imperdible film, con 16 nominaciones, ha superado las 14 que en su momento obtuvo Titanic (1997, James Cameron), hazaña que demuestra cuánto tiene aún por ofrecer el cine de terror:

https://www.youtube.com/watch?v=gVx9tuvEIjs

Frankenstein (cuando la ciencia no repara en consecuencias)

Abundan estudios e interpretaciones diversas de la novela gótica que, en la primera mitad del Siglo XIX, una jovencísima Mary Wollstonecraft Godwin de Shelley, atormentada por la pérdida de un hijo, elaboró en la suiza Villa Diodatti, donde el poeta Lord Byron la hospedaba junto a su esposo y un reducido grupo de notables de la época.

Se ha gastado bastante tinta intentando dirimir a quién corresponde el título de monstruo, si al Barón Víctor Frankenstein (en esta versión, interpretado por el actor guatemalteco Oscar Isaac) o a la desafortunada criatura al que aquel dio vida con retazos de cadáveres, a quien aquí anima el apuesto y longilíneo Jacob Elordi, que, a fin de crear los movimientos de su personaje, declaró haber estudiado butoh, disciplina japonesa surgida a finales de los años 50 como respuesta al horror nuclear de la posguerra, conocida como la "danza de la oscuridad" o del subconsciente, que utiliza movimientos lentos, a menudo grotescos, para explorar el dolor, la identidad y el cuerpo, rompiendo con las estructuras tradicionales de Occidente y de la danza clásica. 

En esta libérrima y barroquísima adaptación del texto original que Guillermo Del Toro se empeñó en rodar apelando a recursos absolutamente artesanales, se lleva hasta las últimas consecuencias la tragedia del resucitado más famoso de la literatura, al punto de enfrentarlo a la posibilidad de acceder a un amor humano a través de Elisabetha (encarnada por la icónica Mia Goth), circunstancia que, al quedar larvada, no satisfizo - entre otros detalles - a Mariana Enríquez, nuestra best seller en materia de terror literario.

Cabe destacar que, más allá del sobresaliente casting del elenco que estelariza el film, y de sus descollantes interpretaciones, resulta digna de encomio la minuciosa como titánica labor liderada por el ya oscarizado realizador mejicano en materia de escenografía y vestuario.

De modo que la ausencia de nominación como director para Del Toro ha sorprendido tanto al público como a buena parte de la crítica especializada.

El cineasta azteca anunció que se encuentra trabajando en una versión extendida de la película, que - no obstante - ya suma nueve nominaciones, incluidas las de “Mejor Película” y “Mejor Guion Adaptado”.

Este corte especial, denominado por el director como All the stitches (Todas las costuras), recuperará escenas eliminadas y material adicional para profundizar en varios aspectos de la criatura ideada por Mary Shelley:

https://www.youtube.com/watch?v=fSs3xHZ9lWQ

Una batalla tras otra (¿preanuncio de los sucesos de Minnesota?)

Acaso este sea uno de los filmes que, si el jurado se alinea con la ola de repudio de la población civil a los abusos de poder cometidos por la fuerza paraestatal estadounidense anti migrantes ICE, se haga con un significativo reconocimiento, dada la profética cuan oportuna trama que despliega.

Efectivamente, tal como oportunamente ocurriera con la comedia negra Wag the dog (1997, Barry Levinson), que sin proponérselo se adelantó al Affaire Mónica Lewinski, que involucró al ex presidente norteamericano Bill Clinton en un caso de acoso sexual contra una becaria de la Casa Blanca, este film - que amenaza con consagrar al talentoso Leo Di Caprio como Mejor Actor - versa sobre un grupo insurgente que atenta contra un Estado empeñado en hostigar a migrantes latinos y afrodescendientes.

Es más, sorprende por su aire tercermundista la escena en que el personaje de Di Caprio, ya retirado de la guerrilla urbana, contempla nostálgicamente por TV la secuencia introductoria del memorable film La Batalla de Argel (1966, Gillo Pontecorvo) Acaso la cinefilia afín al cine de denuncia recuerde que en dicha obra hay un momento en que el Frente de Liberación Nacional convoca a una huelga general por tiempo indeterminado en la Casbah, que las fuerzas de ocupación francesa - al igual que no hace mucho lo hizo en Minnesota la Gestapo de Donald Trump - aprovecha para identificar a los comerciantes rebeldes que se pliegan a dicha protesta.

Eso no es todo. A la luz de los hechos que se vienen sucediendo en el Gran País del Norte, el oficial Steven J. Lockjaw, magistralmente interpretado por Sean Penn - candidato a ser reconocido como Mejor Actor de Reparto - cada vez se asemeja más al Jefe de la Patrulla Fronteriza Gregory Bovino - hoy tan caído en desgracia como su émulo de la ficción -, que ha venido aterrorizando a propios y ajenos en la ciudad de Minneapolis.

Convengamos que un significativo reconocimiento del film en cuestión será inescindible del dramático momento que vive EEUU, ahora que el mundillo del espectáculo se ha pronunciado tan categóricamente al respecto.

Sin ir más lejos, Mark Ruffalo, Natalie Portman, Whoopi Goldberg, Stephen Colbert y Sharon Stone son solo algunos de los ejemplos de las últimas horas.

En conclusión, una vez más, un film tan audaz como oportuno, confirma que frecuentemente el arte puede servir como alarma ante una realidad funesta:

https://www.youtube.com/watch?v=3dLoDhNnwfY

Sirat (una búsqueda desesperada a distancia sideral de la zona de confort)

En este film tan dramático como aleccionador acerca de lo que es capaz la condición humana, incluso en momentos tan difíciles como el que atraviesa ahora la humanidad toda, el padre encarnado por el siempre descollante Sergi López - a quien conocimos a través de Une liaison pornographique (1999, Frederic Fonteyne), o de El laberinto del fauno (2006, Guillermo del Toro) - busca junto a su hijo menor a una hija supuestamente extraviada en el desierto marroquí, adonde habría viajado para participar de una multitudinaria rave.

A ese hombre desesperado al que el repetitivo ritmo propalado por gran cantidad de altoparlantes le resulta monótono y agobiante, una de las tantas exóticas ravers participante del singular evento le replicará diciendo “no es música para escuchar sino para bailar”.

Rodado con prodigiosa fotografía en escenarios en los que su director se mueve como pez en el agua, y con verdaderos ravers que se avinieron a participar del film, este sumerge al espectador en una atmósfera hipnótica y sofocante que pondrá a prueba la capacidad de supervivencia del variopinto núcleo de protagonistas a lo largo de semejante aridez, cuando militares locales se apersonan para disolver su fiesta.

En esa suerte de descenso al séptimo círculo de un infierno exterior e interior, la historia se encargará de demostrar hasta qué punto son capaces de encontrarse individuos tan disímiles cuando el imperativo que prima es la supervivencia en condiciones límite.

Viaje iniciático al fin, el público decidirá si hacia la debacle o la redención, tal como promete su título, palabra árabe que significa "camino" o "sendero", y en el contexto islámico, se refiere al puente que toda alma debe cruzar en el Día del Juicio para ir al Paraíso (Jannah), suspendido sobre el Infierno (Jahannam), siendo tan estrecho y difícil de cruzar para los injustos como sencillo para los justos: 

https://www.youtube.com/watch?v=3lbGYzYKoMg

Bugonia (a veces lo conspiranoico da en el clavo)

Esta osada remake del film coreano Save the green planet (2003, Jang Joon-Hwan), al singularísimo y provocador estilo de Lanthimos, propone que dos primos (un obsesivo y magistral Jeese Plemons, y un sub normal pero sensato Aidan Delbis) capturan a la CEO de una corporación multinacional (la siempre versátil Emma Stone, que viene escalando en la predilección de la crítica como candidata a Mejor Actriz) bajo la sospecha de que se trata de una alienígena andromedana que lidera el proyecto de aniquilamiento de la vida en nuestro planeta.

Partiendo de una composición de lugar que desde el pensamiento crítico podría asimilarse a la temeraria acción directa del joven ítalonorteamericano Luigi Mangione contra un empresario de la megaindustria farmacéutica, este film cuyo título remite a una antigua creencia mediterránea según la cual las abejas nacen espontáneamente del cadáver de un buey, simbolizando la renovación y la vida que surge de la muerte, impone al espectador trascender los límites de la verosimilitud a fin de capitalizar su mensaje más trascendente.

Con argumentos cuasi terraplanistas, la dupla de secuestradores en cuestión - casi un Quijote y su Sancho - lleva a cabo un juicio sumario contra esa ejecutiva que, agotada a causa del mal trato recibido, termina por aceptar los delirantes cargos que se le imputan, preludiando así un desenlace tan inesperado como aleccionador, que sin duda alguna dejará pensando al público:

https://www.youtube.com/watch?v=uJ_mJUQbyiw

 

Recapitulando, la cinefilia habrá de advertir que al menos en el puñadito de títulos reseñados hasta aquí, este año se darán cita en la máxima velada del arte que amamos varios títulos dignos de absoluta consideración y para nada pasatistas.-

 

 

RECOMENDACIONES

PROBLEMAS DIARIOS

BUSCANDO UN ANTÍDOTO

PARA LA ERÓGENA PULSIÓN CANÍBAL

Lxs distinguidxs lectores de esta plataforma no nos dejarán mentir acerca de que, cada vez que nos alejamos un tranco de las cult movies o de un cine explícitamente crítico… buena parte de nuestro público merma.

Pues Trouble Every Day brinda la ocasión de que esa conducta se reitere.

Curiosa pieza clasificada con extremo simplismo como terror erótico, fue dirigida por Claire Denis, y co escrita entre la propia Denis y Jean-Pol Fargeau.

Estelarizada por Vincent Gallo (protagonista de Tetro, el único y fallido film rodado por Francis Ford Cóppola en Buenos Aires), Tricia Vessey, Béatrice Dalle, Alex Descas y nuestra talentosa Marilú Marini, su banda sonora pertenece a la banda de rock británico Tindersticks.

La trama sigue al científico estadounidense Shane Brown, quien descuida a la esposa durante su luna de miel en París para localizar a su ex colega Léo Semenau y a su esposa Coré, en pos de combatir el mal que padece, ya que sabe que aquella mujer, como él, posee deseos caníbales.

Inscripta en el movimiento cinematográfico denominado New French Extremity - corriente cinematográfica de principios del siglo XXI conocida por su violencia gráfica, escenas sexuales explícitas y temáticas transgresoras, que reúne películas como Baise-moi (2000, Virginie Despentes y Coralie Trinh Thi), Irréversible (2002, Gaspar Noé), Haute Tension (2006, Alexandre Aja), A l’interieur (2007, Alexandre Bustillo y Julien Maury), o Martyrs (2008, Pascal Laugier), caracterizadas por un enfoque corporal, nihilista y brutal -  levantó gran polémica en su estreno en el Festival de Cine de Cannes de 2001 y polarizó a los críticos, muchos de los cuales la abuchearon o directamente se retiraron durante la proyección. 

El origen del film se remonta a 1989, cuando Denis, rodando un cortometraje en Nueva York, conoció al futuro intérprete del film que nos ocupa. A petición de un canal de televisión, consideró un proyecto para una película de terror ambientada en la noche de la ciudad, protagonizada por Gallo, aunque nunca se materializó, pero la idea de una película sangrienta siempre lo acompañó.

Durante el rodaje de Beau Travail, retomó el guion con el citado Fargeau y desarrolló lo que terminaría siendo Trouble Every Day.  Entre los elementos centrales que Denis puso en la película estaban las descripciones de las relaciones románticas a través del prisma de la depredación, el deseo sexual y la pulsión devoradora del otro reinventando el vampirismo, tal como se describe en las novelas del siglo XIX a las enfermedades misteriosas que atacan a ciertas personas y la búsqueda de remedios (Denis evocó la investigación sobre vacunas, plantas medicinales, neurobiología y el estudio de los comportamientos, así como ciertas obras de Jean-Pierre Changeux , a quien conoció), y las referencias a los cuentos infantiles del medioevo sobre ogros y princesas.

Desde la primera versión del guión, compuesta por un largo texto antes de su división en segmentos clásicos, Denis buscó crear una sensación permanente de riesgo y ansiedad. Para ello, se inspiró en las obras del fotógrafo canadiense Jeff Wall, cuyos libros regaló a Agnès Godard, su directora de fotografía, para crear esa atmósfera.

Alice Houri, quien protagonizó la película anterior de Denis, Nénette et Boni , hace un pequeño cameo como una chica en el metro que observa a Shane. 

Al cabo de su controversial lanzamiento, entre un selecto núcleo de seguidores el film se convirtió en obra de culto, admirada por sus reminiscencias existencialistas y su singular abordaje de una adicción tradicionalmente atribuible al vampirismo. 

Pequeño y destratado film ¿de cult horror? Discretamente refugiado en la plataforma MUBI, y exclusivamente reservado para amantes del género.-

 

 

ALGUNOS ANTECEDENTES DEL CINE FANTÁSTICO

EN EL MUNDO HISPANOPARLANTE (Segunda entrega)

EL INFLUJO DE LA FACTORÍA HAMMER

En muchos de los títulos revisados en esta esta nota y su anterior hemos constatado la indisimulable influencia estético-narrativa de una verdadera meca del cine de horror gótico de la época. Esa Casa Hammer que consagrara las figuras inolvidables de Peter Cushing y Christopher Lee para rescatar, desde principios de los 60s, al mítico bestiario de la Universal pero ahora en colores y con inédita carga erótica.

El caso de la producción española “La noche del terror ciego” (ver ficha técnica y sinopsis en anexo documental), de la azteca “Santo y Blue Demon contra Drácula y el Hombre Lobo” (ídem anterior), y el de la argentina “Sangre de vírgenes”, que sitúa un relato vampírico en el paisaje  barilochense, así lo demuestran. 

Indiscutiblemente, la esmeradísima reconstrucción de época de la productora británica, expresada en tenebrosas locaciones y exquisitos vestuario y utilería, no tardó en convertirse merecidamente en referencia ineludible para los cultores del género. 

 

EN POS DE MITOS LOCALES

Al cabo de una prolija y exhaustiva revisión de títulos, desearíamos destacar al menos tres cuyas singularidades merecerían la atención del aficionado atento. Se trata de la mencionada producción del inefable Amando de Ossorio “La noche del terror ciego”, de “Santo y Blue Demon contra Drácula y El Hombre Lobo”, y de “Extraña invasión” (ver ficha técnica y sinopsis en anexo documental) 

En el primer caso nos parece digno de encomio el afán de un realizador que, ante la oferta de las grandes productoras internacionales dispuestas a reeditar el éxito asegurado de los nombres más taquilleros del horror cásico, fiel a su origen (Galicia es una tierra atravesada por la cultura celta y plena de mitos y leyendas autóctonas), impuso su voluntad de dar a luz unos personajes con acervo histórico real y dotarlos del mismo status de los que inmortalizara Hollywood: Los Caballeros Templarios, impecablemente caracterizados y ataviados, con un rigor poco frecuente para producciones por el estilo de origen no anglosajón.

Conmueve revisar las memorias de este modesto pero inclaudicable  realizador oriundo de La Coruña, y detenerse en frases tales como “podrán decir de mí que fui un desastre, porque era consciente del miserable presupuesto asignado y resolví filmar… pero lo mío era el cine y a él consagré mi vida con la mayor buena fe”.

A propósito de su tetralogía templaria, que va escalando en calidad estética y narrativa entre los años 1971 y 1975, es digno de mención su máximo pico de excelencia en ambos campos con “La Noche de las Gaviotas”, cuya trama se sitúa en una supersticiosa aldea costera afecta a sacrificar doncellas a unos espectros provenientes del mar que rinden tributo a una suerte de dios batracio, preludiando la meritoria incursión de la cinematografía ibérica en la mitología lovecraftiana con la bastante posterior adaptación del cuento Dagon (2001, Stuart Gordon), una de las obras emblemáticas del legendario escritor de Providence.

En el caso de Santo - cuyos filmes, entre 1958 y 1982, pasaron por diversas manos corriendo desigual suerte - diremos que vale rescatar el apego en casi todos los casos al imaginario local: Si no enfrenta a algún espanto telúrico (como La Llorona), habrá una momia (que será pre colombina y no egipcia), y si algún personaje de origen europeo entra aleteando por la ventana o aúlla con luna llena, el espectador recibirá una detallada explicación de qué movió al susodicho a tentar suerte en tierras mejicanas.

Por último, consideramos que la modesta - sobre todo a nivel guionístico - producción local de Vieyra encuentra una perlita en la casi desconocida realización de sci fi “Extraña invasión” (1965), que trae ni más ni menos que a Richard Conte a conjurar una aparente amenaza interplanetaria en la localidad bonaerense de Pacheco.

A diferencia, por ejemplo, de “Santo y la invasión de los marcianos” (1967, Alfredo B. Crevenna), donde los extraterrestres elijen descender en Méjico por considerarlo un país manifiestamente opuesto a la proliferación nuclear post Hiroshima… aquí la acción se sitúa injustificadamente en un pueblito del sur de EEUU (algo inadmisible en la fantaciencia argentina después de que Héctor Germán Oesterheld devolviera la gran aventura a los escenarios locales en su novela gráfica “El eternauta”, que aun aguarda la culminación de su adaptación televisiva a cargo de la cadena Netflix) Más allá de contar con un desenlace algo pobre, la pulcritud de su desarrollo y el clima inquietante que consigue no tiene nada que envidiarle a los niños albinos de “Village of damned” (1960, Wolf Rilla) ni a las esporas de “Invasión de ultracuerpos” (1956, Don Siegel), consagradas por entonces en el hemisferio norte como verdaderas joyitas del género.

Resulta evidente que el impacto de los medios digitales y la masiva irrupción en el Séptimo Arte de una desprejuiciada generación de talentosos jóvenes dotados de gran vocación experimental está revirtiendo el lugar de “patito feo” de la cinematografía internacional que este tipo de producciones nacidas en el mundo “periférico” aún detenta.-

 

ANEXO DOCUMENTAL

TITULO ORIGINAL: Extraña Invasión GENERO: Ciencia Ficción PAIS: Argentina DURACION: 85 Minutos AÑO: 1965 DIRECTOR: Emilio Vieyra GUION: Les Rendeltein y Philip Kearney INTERPRETES: Eddie Pequenino, Eduardo Muñoz, Jorge Rivera López y Richard Conte MUSICA: Víctor Buchino FOTOGRAFÍA: Aníbal González Paz MONTAJE: Juan Carlos Macías
SINOPSIS: Una serie de emisiones televisivas, a través de los rayos catódicos,  provoca en las mentes de los telespectadores unos efectos inesperados y terroríficos.  El motivo se origina en las ondas provenientes de unos tambores de metano y de otro material de ese tipo que mezclados con aguas pantanosas despiden unas emisiones  extrañas que llegan a las antenas: https://www.youtube.com/watch?v=kpVTAVC0YbY   TITULO ORIGINAL: Santo y Blue Demon contra Drácula y El Hombre Lobo GENERO:                 Fantasía, terror PAIS:                        Méjico DURACION:             90’ AÑO:                        1973 DIRECTOR:             Miguel Delgado GUION:                    Alfredo Salazar INTERPRETES:     Santo, el enmascarado de plata (como él mismo), Blue Demon  (como él mismo), Aldo Monti (Conde Drácula), Agustín Martínez Solares (Rufus Rex,  el Hombre Lobo), Eugenia San Martín (Laura Cristaldi), Alfredo Wally Barrón (Eric),  Jorge Mondragón (profesor Luis Cristaldi), Lissy Fields (Rosita), Carlos Suárez  (Jefe de los Mafiosos), Nubia Marti (Lina) SINOPSIS: Un anónimo con amenazas llega a la mansión de la familia Cristaldi. Lina Cristaldi es la novia del luchador de lucha libre mexicana El Santo, y decide pedirle ayuda. Reuniéndose con el jefe de la familia, el profesor Luis Cristaldi, éste le comenta al enmascarado que sus antepasados son quienes han vencido a Drácula y el Hombre Lobo, y que la venganza de éstos se encuentra próxima. Solicitando ayuda a su compañero de catch, Blue Demon, los luchadores montarán guardia en la mansión Cristaldi vigilando a la familia del profesor y a una poderosa daga mística que fuera la utilizada para abatir al vampiro y al licántropo. Pero el ambicioso criminal Eric decide raptar al profesor y utilizarlo en un sacrificio humano para revivir a las creaturas. Una vez recuperados sus cuerpos, el conde Drácula y el Hombre Lobo se dedicarán a masacrar a la familia Cristaldi, a menos que Santo y Blue Demon puedan impedirlo: https://www.youtube.com/watch?v=3KdvJ-82bOc&list=PLXODA2-jIzGYloY6M9YEikdNpoeA-nezA       TITULO ORIGINAL La noche del terror ciego AÑO 1971 DURACIÓN 92 min. PAÍS DIRECTOR Amando de Ossorio GUIÓN Amando de Ossorio MÚSICA Antón García Abril FOTOGRAFÍA Pablo Ripoll REPARTO Lone Fleming, César Burner, Helen Harp, Joseph Thelman, Rufino  Inglés, Verónica Llimera, Simón Arriaga, Francisco Sanz. PRODUCTORA Coproducción España-Portugal; Plata Films S.A. / Interfilme SINOPSIS Bette llega a Lisboa por motivos de trabajo, donde encuentra a  Virginia, antigua compañera de internado, la cual está acompañada  por Roger. Los tres deciden pasar unos días en un parador de  turismo. Viajan en un pintoresco tren y pronto se despiertan los  celos entre las dos amigas. Virginia decide bajarse del tren y llega  a un pueblo desierto presidido por una abadía. Se acomoda en una  de las ruinas y se dispone a dormir, cuando empiezan a ocurrir cosas  extrañas y terribles. Mientras tanto Roger y Bette han pasando la  noche en el parador y están intranquilos por su amiga y buscan ir  en su busca.   Primera entrega de la tetralogía de terror-serie B de Amando de  Ossorio, que se completa con "La noche del terror ciego" (1971),  "El ataque de los muertos sin ojos" (1973), "El buque maldito" (1974)  y  "La noche de las gaviotas" (1975): https://www.youtube.com/watch?v=pxj75Ay8qgE

 

ALGUNOS ANTECEDENTES DEL CINE FANTÁSTICO

EN EL MUNDO HISPANOPARLANTE (Primera entrega)

Ya que a menudo sentimos nostalgia de los inolvidables Martes de Terror en el cine Coliseo Podestá de nuestra ciudad natal, donde pasamos momentos inolvidables en compañía de los monstruos sagrados de la Universal Pictures o sus versiones remozadas en Technicolor por la inefable factoría Hammer Films, así como del ciclo televisivo que cambió para siempre las siestas sabatinas de nuestra generación, Cine de Súper Acción, gracias al cual uno accedía a una verdadera caja de sorpresas que bien podía contener desde un western spaghetti hasta una joyita de Ray Harryhaussen, pasando por aquellos entrañables bodrios nipones en que un intérprete ignoto ataviado con un caluroso disfraz no más digno que el del dinosaurio Barney paseaba su humanidad haciendo estragos a lo largo de una ciudadela de madera terciada… hemos considerado prudente organizar algunas ideas que contribuyan a trascender el mero disfrute para poner en valor algunos méritos indiscutibles de ciertos títulos rodados en nuestra lengua de aquella inolvidable producción.

 

Periodista: _ ¿Qué película suya recomendaría a los críticos?

Cineasta: _ Ninguna. Para que no me retiren el saludo…

Entrevista con Amando de Ossorio, en el documental El Último Templario.-

 

SOBRE LA DEFINICIÓN DE FANTÁSTICO

La teoría de los géneros - clasificación heredada de la biología - le asigna al fantástico no menos de tres sub clasificaciones. A saber: El horror (campo sobre el que discurriera holgadamente Howard Phillips Lovecraft en su breve ensayo “El horror en la literatura”), la ciencia-ficción (ejemplificable recurriendo a los célebres nombres de Verne, Bradbury o Asimov), y el maravilloso (del cual la “Alicia en el País de las Maravillas” de Lewis Carroll suele ser un digno exponente) Algunos títulos que consideraremos a continuación se internan en un terreno no tan definido, y bautizado hace algún tiempo por la crítica como bizarro, que estaría en condiciones de agrupar transversalmente expresiones propias de cada una de las clasificaciones antes mencionadas.

 

SOBRE LA DEFINICIÓN DE BIZARRO

Poca claridad aporta al término en cuestión el Diccionario Sopena de la Lengua Castellana, con su definición de “valiente, gallardo, generoso”. Obviamente, aquí se trata de una acepción más vulgar, y atribuida más bien a “lo extraño”. Desde hace algunos años las nuevas generaciones vienen utilizando el término para agrupar en él a un cierto pastiche de manifestaciones prácticamente inclasificables.

Si el denominador común que se les ha venido atribuyendo es el de cierto tratamiento freak o anárquico, que - en el caso del cine - encontraría a uno de sus más altos exponentes en el realizador norteamericano Ed Wood (para muchos, considerado como el peor director de cine de la historia), ha llegado el momento de señalar ciertas diferencias.

En rigor de verdad, nunca nos satisfizo plenamente tal categorización, ya que - acaso con un criterio algo pasado de moda - venimos considerando que hay buen y mal cine, en todos los géneros. Y nos parece una clasificación algo antojadiza aquella que pretenda agrupar expresiones tan variopintas como el erotismo de vuelo bajo o el terror mediocre bajo un denominador común cuyos puntos de contacto - más allá de la existencia de algunas obras entrañables - no parecerían ser otros que la escasez de recursos materiales, la impericia técnica, o la falta de imaginación, condiciones  distantes de ser reunidas para dar a luz un nuevo género. No obstante, como el término en cuestión parece haberse impuesto sin mayores resistencias al menos en ciertos círculos mayoritariamente juveniles, allá vamos pues, con todo respeto por las obras a citar.

 

EL CINE FANTÁSTICO HISPANO DE LOS 60 y 70s:

CONTEXTO Y EMERGENTES DESTACABLES

Aquí se pretende poner el foco de atención en el período histórico consignado  arriba, y en tres enclaves específicos del mundo hispanoparlante, seleccionados considerando el impacto internacional de sus respectivas industrias culturales, con eje en la audiovisual: España, Méjico, y Argentina.

Aunque no constituya el principal factor de interés para potenciales lectores de esta nota, recordaremos que el mundo bipolar de entonces era el de la llamada Guerra Fría, y había sido diseñado en Yalta después de la última gran contienda bélica. En tal circunstancia, los tres países citados padecían algún tipo de censura, más estricta en España y Argentina (bajo el imperio del falangismo o las sucesivas dictaduras que azotaron nuestro país), y más morigerada en Méjico.

En el primero de los casos, y tal como lo refieren especialistas calificados en la materia como Narciso Ibañez Serrador, a partir de 1961, a instancias de Jesús Franco (con su Profesor Orloff), Paul Naschy (con su hombre lobo Valdemar Daninski) y el impagable Amando de Ossorio (con su tetralogía de Los Templarios) la cinematografía ibérica encuentra a través del cine fantástico un resquicio en materia de erotismo y violencia mediante el cual burlar algunas de las estrictas restricciones impuestas por el franquismo.

Como si fueran ingredientes imprescindibles del género, los jóvenes españoles de entonces acceden a sus primeros desnudos parciales y a las primeras imágenes gore (degollaciones, decapitaciones, mutilaciones) de la mano de estas producciones de clase B que no tardarán en hallar un nicho de mercado internacional específico, hasta convertirse algunas en verdaderos productos de culto merced a su impronta innovadora y trasgresora de los límites fijados por su bajísimo presupuesto, así como por calendarios de rodaje que a veces no se excedían de una a cinco semanas.

Como es sabido, Méjico es uno de los países de Nuestra América donde la conquista hispánica se enfrentó a un mayor grado de resistencia cultural, lo que hace que a la fecha se conserven tradiciones más sólidas que en otros enclaves más cosmopolitas del continente, como ocurre al menos en la capital de nuestro país.

El antiguo apego a las contiendas de lucha libre, por ejemplo, llevó del ring a la pantalla grande a un ídolo de multitudes como Santo, El Enmascarado de Plata, que - aun post mortem - goza de la condición de mito indiscutido de las grandes mayorías aztecas. Rodolfo Guzmán Huerta (23 de septiembre de 1917 - 5 de febrero de 1984), tal su verdadero nombre, fue luchador y actor. Una verdadera leyenda de la lucha libre mexicana, quizá el más famoso de los luchadores en Latinoamérica. Su carrera en la lucha libre duró casi cuatro décadas, durante las cuales se convirtió en un héroe popular y un símbolo de la justicia para el hombre común ya que su personaje trascendió el ámbito de la lucha libre y se transformó en una especie de súper héroe al protagonizar historietas y películas, de hecho su popularidad y el mito provienen en gran medida de estos últimos medios y no de la lucha libre.

Dando una vuelta de tuerca al lugar común de los súper héroes norteamericanos, consistente en tener una doble identidad (de ciudadano común en la vida cotidiana y héroe en situaciones extremas), Santo siempre es uno y él mismo, en el ring y en la vida diaria, permanentemente enmascarado. Muchos de sus filmes comienzan y terminan en el cuadrilátero, ofreciendo alguna de sus lidias completa, y casi siempre rematan con la frase de algún personaje que, mientras el héroe se aleja de Cuba, Colombia, o Ecuador (algunos de los países que co produjeron su más de medio centenar de largometrajes) en avión rumbo a su Patria, recuerda que se trata de “un justiciero sin fronteras que debe preservar su identidad para moverse con libertad en su cruzada inclaudicable contra las fuerzas del mal”, eufemismo este de un enemigo que generalmente va de la mafia a los mitos tradicionales del horror como Drácula, Frankenstein, o el Hombre-Lobo (cabe destacar aquí la semejanza misional con otros héroes mediáticos que contemporáneamente han gozado de un enorme cariño popular, como ocurriera con El Capitán Piluso, encarnado en la TV, el cine y las historietas locales por el irreemplazable humorista argentino Alberto Olmedo)

Muchas de las hazañas del enmascarado azteca se verán secundadas por algún compañero en los avatares de la lucha libre, como Blue Demon, y habrá de exhibir en su transcurso grandes dotes de innovador tecnológico (cualidad que a veces remite a la bati-cueva del hombre-murciélago) Al igual que otras mitologías populares de nuestro continente - como la literatura de cordel del nordeste brasileño - han llegado a confrontar a ídolos como Roberto Carlos con el propio Lucifer, Santo no se cuestiona jamás porqué al cabo de una extenuante contienda le toca abandonar el estadio para hacer horas extras intentando frenar, por ejemplo, la venganza de una momia o una invasión extraterrestre. Esa es, al fin y al cabo, la lógica que lo ha hecho inmortal.

El período que estamos revisando encontró al cine nacional sin una gran tradición en el género fantástico (tal vez intentos aislados, como “El extraño caso del hombre y la bestia” de Mario Sóffici, “Obras Maestras del Terror” de Enrique Carreras, o “Invasión” de Hugo Santiago, por citar un puñado de ejemplos) En la segunda mitad de la década del 60 se destacó, sin embargo, la significativamente audaz apuesta de un realizador afecto a cultivar temáticas de lo más diversas: Emilio Vieyra. Criticado por algunos especialistas en virtud de profesar una ideología condescendiente con los gobiernos de facto, realizó un puñado de filmes que recién hoy se pueden ver completos, comprobando que contenían un erotismo explícito (desde desnudos totales masculinos y femeninos a masturbaciones con vibrador, pasando por actos de lesbianismo concretados sin el menor disimulo) al que por entonces no se atrevían ni las más calificadas películas del primer mundo. Obviamente, por entonces dichas escenas jamás pasaron por las pupilas  adolescentes que despertaban al sexo consumiendo revistas porno soft de contrabando en las cuales se borraba fotográficamente el pubis de las damas… como si fueran enteramente lisas. Títulos como "Extraña Invasión", "Placer sangriento", "La Venganza del Sexo", "La Bestia Desnuda" y "Sangre de Vírgenes" explican el gusto de Vieyra por el terror, el misterio y la ciencia-ficción, que el director combinó con elementos de una imaginación infrecuente, que a la larga ha contribuido a convertir a estas películas en obras de culto, tanto en la Argentina como en los Estados Unidos y Europa, donde varias de ellas son comercializadas en video y emitidas por TV.-

Continuará…