RECOMENDACIONES 

PARTHENOPE

EL GRAN CINE ITALIANO

DE HOY Y DE SIEMPRE

“Los rusos han hecho películas de martirio. Los americanos han hecho películas publicitarias. Los ingleses han hecho lo que hacen siempre en el cine, nada. Alemania no tenía cine, no tuvo más cine. Y los franceses hicieron Sylvie et le Fantôme. Los polacos hicieron dos películas de expiación, Passazerska y Ostatni etap, y un film de recuerdos, Kanal, y después han acabado por acoger a Spielberg, con lo que, ‘nunca más eso’, se ha convertido en ‘siempre eso’ (…) Con Roma, città aperta, Italia simplemente ha reconquistado el derecho de una nación de mirarse a la cara. Y entonces llegó la asombrosa cosecha del gran cine italiano”.

Jean Luc Godard

Histoire(s) du Cinema,

Capítulo 3, “La moneda de lo absoluto”.

 

¡Qué no se ha escrito ya del último filme de Paolo Sorrentino...! Sin embargo, nuestro afán nunca será el de disputar el lugar de la primicia, de manera que - humildemente - consideramos que lo expresado aún no ha sido suficiente.

La más reciente oferta de su Productora 10, así llamada en homenaje al imborrable recuerdo que dejó en el sur de la península Diego Armando Maradona, toma el nombre de una sirena de la mitología griega. Según la leyenda, Parthenope se arrojó al mar tras no conseguir hechizar a Ulises con su canto. Su cuerpo llegó a la costa donde se fundó la antigua ciudad de Parténope, que luego se convirtió en Nápoles, ciudad de la que el director es oriundo, y musa inspiradora de toda su obra.

Esta bellísima y melancólica odisea de una mujer deseable y deseante a la que el amor le es esquivo, se nos introduce mediante un montaje por corte, compuesto por varios planos del cautivante paisaje meridional prescindentes de toda voz humana, y sostenidos por lentos travellings descriptivos de cuño felliniano, que nos muestran un Nápoles en todo su esplendor.

Como ya es característico en su director, el film ha sido facturado con una enorme exquisitez visual. Es particularmente destacable la panorámica rodada desde un dron que se dirige hacia la playa surfeando sobre una ola gigante. 

La historia está segmentada por algunos años claves para los italianos: 1950 (pleno apogeo del neorrealismo), 1968 (año de gran auge estudiantil), 1973, 1975, 1982 (considerados Años de Plomo, debido a la confrontación de organizaciones armadas de distinto signo), y un 2023 que funcionará como presente desangelado de la protagonista.

Nacida "in acqua" y luego tan deseada por su pretendiente como por su hermano, Parthenope - que así se llama también la heroína de esta aventura, interpretada por una magnética Celeste Dalla Porta - es una vestal casi inaccesible, a la que hubieran adorado los Fedeli D'Amore (*) como Dante, Petrarca, o Ariosto. Posee una mirada dotada de una luz que encandila cuando suelta una sonrisa y cuando se oscurece da ganas de rebalsar el océano a puro llanto. Solo un close up suyo justificaría un Óscar para quien haya dado con una actriz debutante dotada de semejante sex appeal.

De ahí en más, junto a nostálgicas y hermosas canciones de Ricardo Cocciante, Valerio Piccolo, Marino Marini, o Gino Paoli, el rumor del mar nos acompañará hasta en los créditos finales del film. 

El elenco incluye otras perlitas, como Gary Oldman interpretando a un crepuscular John Cheever, escritor estadounidense del que la protagonista es lectora, y que fuera bautizado como “el Chéjov de los suburbios”.​ 

Aquí la zarabanda felliniana que caracterizaba a La Grande Bellezza, se regodea mostrándonos incontables arquetipos humanos de ese sur plebeyo, desairados por una diva emigrada y de visita, con frases como "Queridos y horrendos napolitanos, pueblo de desgraciados, vuelvo al norte". A esta altura cabe señalar que, en la historia del país en cuestión, ambas latitudes - como suele ocurrir en tantos enclaves del planeta - han tenido un desarrollo sumamente desigual, de resultas que los septentrionales llaman despectivamente “terroni” a los meridionales, y estos lo replican con el apelativo “tedeschi”.

Sorrentino contrarresta ese agravio con la gira nocturna por los bajos fondos que la protagonista será invitada a realizar junto al actor Roberto Críscuolo (Marlon Joubert) - idolatrado por las putas y generoso como El Diego con el pobrerío del que proviene -, quien demostrará a su acompañante que la "barbarie" tiene mucho que enseñarle a la "civilización". 

En dicho trance seremos testigos de La Grande Fusione, celebración del desopilante acople nupcial público de una joven pareja local, presenciado por parientes y vecinos. 

Promediando sus estudios de Antropología, Parthenope conocerá a su mentor - primero académico y más tarde espiritual - (un conmovedor Silvio Orlando), quien luego de desaprobarla en algún examen se congraciará con ella proponiéndole un pacto: "Tú no me juzgarás y yo no te juzgaré". Tal vez la escena en que conoce al hijo del catedrático concentre TODO lo que el arte puede expresar sobre la ternura y el amor humano.

Otra de las memorables secuencias de este film de visión imprescindible para almas sensibles es la del Milagro de San Genaro, sobre la que nos limitaremos a afirmar que, inesperadamente, incluye uno de los momentos más eróticos de la historia del cine. "El mundo de nuestra infancia terminó", dirá el fatigado obispo magistralmente interpretado por Peppe Lanzetta, lo que dispara en nuestra cinefilia el cálido recuerdo de El Artículo de las Luciérnagas, mediante el que ese radar de las mutaciones antropológicas que fuera Pier Paolo Pasolini oportunamente dio cuenta de la agonía del mundo campesino y el tránsito hacia un consumismo desenfrenado.

En fin, desfilaron por ahí los Totó, las Magnani, los Sordi, las Lollobrígida, los Gassman, las Mangano, los Manfredi, los Tognazzi… sobre la Sandrelli no diremos nada, porque es el tesoro que nos reserva el film para confirmar que el Gran Cine Italiano sigue brillando por todo lo alto.

Encarnando aquí a una Parthenope adulta y exclusivamente consagrada a la vida académica, recapitulará sobre su aventura existencial diciendo "Recuerdo aquellos veranos perfectos. Fue maravilloso ser jóvenes. Duró poco". 

Ese final con los entusiastas tifosi del Nápoli festejando una victoria es el premio que semejante actriz se merecía.

Muchísimas gracias, Paolo Sorrentino, por confirmar que el futuro del Séptimo Arte no se reduce a Marvel o a la adaptación de videojuegos. -

 

(*): Se consideraban seguidores de Eros, antigua divinidad griega del Amor, y en todos sus poemas lo personifican como una entidad con inteligencia y voluntad propia, con potestad para regir e inspirar sus actos, sentimientos y pensamientos.  

 

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Temas 

EMMANUELLE 2024

UN EROTISMO DESCAFEINADO

PARA LA ERA DE LA FRIGIDEZ

"Hay que reinventar el riesgo y la aventura contra la comodidad y la seguridad".

Alain Badiou

"Elogio del amor"

 

Marayat Rollet-Andriane, más conocida por el seudónimo de Emmanuelle Arsan, fue una novelista francesa de origen euroasiático, famosa por crear el personaje ficticio Emmanuelle, una mujer que se dedica a la exploración de su propia sexualidad en diversas circunstancias. La autora de ese best seller erótico nació en Bangkok, Tailandia, adonde transcurren algunas aventuras de su heroína. Vivió entre 1932 y 2005, y estuvo casada durante 49 años con Louis-Jacques Rollet-Andriane, dato no menor a la hora de considerar la naturaleza de su elegía sobre la libertad sexual. 

Si bien su existencia transcurrió mayormente en una Europa liberal y desprejuiciada, puede suponerse que también lo hizo en un período de la historia contemporánea en el que las relaciones sexoafectivas gozaban de mayor prestigio que en el presente.  

De hecho, en este contexto tan desangelado y de reformulación de los vínculos que conocieron generaciones precedentes - algunos signados por la hipocresía social, hay que admitirlo -, a uno de los que está más en boga, fundamentalmente entre lxs jóvenes, se lo ha bautizado con el anglicismo situationship, sustantivo inglés que fusiona las palabras "relación" y "situación". Se trata de una relación romántica entre dos personas que no se consideran una pareja, pero que tienen más que una amistad. Se caracteriza por ser una relación íntima pero temporal, sin promesas ni obligaciones. Algunas de sus características son: No hay un compromiso claro, la relación se mantiene en un estado de indefinición, se evita las responsabilidades y expectativas de una pareja formal, y puede haber sexo, pero no una relación. Las situationships pueden durar meses o años y pueden ser estresantes, a causa de la falta de comunicación, a malas experiencias del pasado, a una indisponibilidad emocional o a un miedo al compromiso. 

Tal es el árido panorama en que transcurre la flamante “remake” (?) del clásico relato de Arsan, esta vez a cargo de una mujer. A diferencia de su predecesor, aquí la directora Audrey Diwan presenta al personaje como un tanto abúlico y en la búsqueda individual de un placer aparentemente perdido. Un día, la cadena de hoteles de lujo para la que trabaja le encarga ir a Hong Kong a revisar la merma de ingresos de uno de sus establecimientos, pero cuando llega, éste funciona a la perfección. Debiendo buscar una excusa para echar a su directora (la siempre espléndida Naomi Watts), durante su estancia allí conoce a Lee Jae-Yong, un atractivo ejecutivo que tiene unas rutinas misteriosas y mantiene su anonimato ante el hotel. Emmanuelle empieza a obsesionarse con él y a seguirle; pero la obsesión empezará a hacerla fallar en su trabajo. Ya inmersa en el universo que su enigmático objeto de deseo frecuenta - y con este emulando a Mario, aquel mentor erótico de la primera versión, que oficiaba de observador no participante -, al cabo de variadas experiencias sin trascendencia, la heroína por fin consigue experimentar un orgasmo, lo que, como todos sabemos, no necesariamente es sinónimo de haber hecho el amor. 

Noémie Merlant encarna aquí a una insípida joven - no sabremos si soltera o divorciada, que viaja sola. Detalle: Es penetrada pero nunca monta; es acariciada, aunque nunca se enternece; y, sienta algo o no, nunca besa.

Madura y todo, la encantadora Naomi Watts, que nos inquietó manteniendo un inolvidable encuentro lésbico en Mullholand Drive (2001, David Lynch), o practicando una suerte de strip tease para King Kong (2005, Peter Jackson), aquí nos deja con las ganas de haberla visto intimar con la protagonista, emulando a la geóloga del film original. 

Como alguna vez escribiera Bertolt Brecht, “corren malos tiempos para la lírica”: ¡Francamente… hay que esmerarse para hacer una película más deserotizante que 50 sombras de Grey (2015, Sam Taylor-Wood)! 

Para quienes vimos la Emmanuelle de 1974 dirigida por Just Jaeckin, en la comparación de la impasividad de Merlant con la perversa inocencia de Sylvia Kristel, la primera sale perdiendo por varios cuerpos. 

En efecto, medio siglo antes del film comentado hasta aquí, aquella heroína era una jovencita recién casada - detalle fundamental - que viajaba a Bangkok a reunirse con su marido, un diplomático francés tan enamorado de su esposa como indispuesto a considerar su cuerpo como una propiedad privada. En tal convicción, insta a su cónyuge a iniciarse en los misterios del sexo a fin de enriquecer la relación entre ambos, incitándola a intimar con una hermosa adolescente y luego a ser guiada por un veterano en los placeres de la carne, lo que le permitirá materializar sus fantasías sexuales más secretas con el absoluto consentimiento de su esposo. Esta Emmanuelle, por ende, no es fiel como una mascota, sino leal al hombre que ama. Su cuerpo no le pertenece a él, pero no existe otro dueño de su amor. Y en ello reside un morbo absolutamente ausente en la versión actual. 

Acaso a lxs millennials les alcance con cuanto ofrece el nuevo producto, pero a quienes vivimos los desenfrenados tiempos de Woodstock, nos seguirán quitando la respiración filmes como el infravalorado y censurado Calígula (1979, Tinto Brass), o como Las edades de Lulú (1990, Bigas Luna)

Opinión masculina y adulta, siempre discutible, desde ya. -

 

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RECOMENDACIONES 

Que la fiesta continúe

EL TIEMPO ESTÁ A FAVOR DE LOS PEQUEÑOS

En noviembre de 2018 Marsella vivió una memorable tragedia. Cinco cuerpos fueron hallados bajo los escombros tras el derrumbe de unos edificios céntricos. La quinta víctima, un hombre, fue descubierto 48 horas después del desastre. Según comunicaron las autoridades, en el momento del siniestro había dentro entre 5 y 8 personas. Y todo ello sucedió ante la estatua de un poeta ciego:  Homero.

Indudablemente, ese ha sido el disparador creativo de esta historia, pergeñada por un realizador conocido por su enorme sensibilidad humana. En efecto, Robert Guédiguian, renombrado cineasta francés, ha construido una carrera signada por su compromiso social y su habilidad para retratar la vida cotidiana de su gente. Nacido en Marsella en 1953, ha sido un cronista apasionado de su ciudad natal y de las luchas de la clase trabajadora, temas recurrentes en su filmografía, desde sus inicios con Dernier Été (1980), hasta obras aclamadas como Marius y Jeannette (1997) y Las nieves del Kilimanjaro (2011) Sus últimos largometrajes rezumaban un cierto aire crepuscular y una mirada crítica y pesimista. Eso resultaba evidente en Gloria Mundi, otro trabajo ambientado en su Marsella natal. Cabe recordar que la diáspora armenia de Marsella - a la que Guédiguian pertenece - representa alrededor del 10% de los 800.000 habitantes de la ciudad. Tras visitar el antiguo espíritu revolucionario de Mali (con un entrañable y desgarrador tono romántico) en Mali Twist, el realizador vuelve a su querida ciudad en clave de realismo poético, y contando con un grupo de actores recurrentes, entre ellos Ariane Ascaride, su esposa y musa, logrando de este modo una química excepcional en pantalla. Su dedicación a explorar las complejidades sociales y emocionales de los personajes le ha ganado un lugar destacado en el cine europeo, siendo una voz auténtica y comprometida que sigue resonando con fuerza en cada nueva película. 

La historia que nos ocupa comienza con la joven Alice dirigiendo un coro, pero sin embargo no se tratará de la historia de Alice. O más bien no solo de la historia de Alice, quien practica un teatro con el pueblo y para el pueblo. De modo tal que será ella quien nos introducirá en un relato coral, que involucrará a una familia de ascendencia armenia integrada por personajes tan pintorescos como los de Amarcord (1973, Federico Fellini), aunque aquí no descriptos de modo satírico. 

Entre todos ellos se destacará Rosa - así bautizada en honor a Rosa Luxemburgo -, una enfermera de 60 años que ha dedicado toda su vida a sus afectos inmediatos y a la política. Su último sacrificio será presentarse como candidata a la alcaldía de Marsella. Pero eso sólo será factible si logra que todos los partidos de izquierda depongan sus diferencias y se unan tras una única candidatura, algo que parece poco factible. En esas lides, la mujer conoce a quien ha de ser su suegro, Henri, de quien queda prendada, lo cual le hace replantearse las cosas.

Sostenido por apropiadísimas partituras clásicas, el conmovedor tono narrativo de la historia encuentra uno de sus puntos culminantes cuando suena el tema Emmenez moi (Si tú me llevas), cuya letra, música e interpretación pertenecen a Charles Aznavour, otro armenio gigantesco: "Llévame al País de las Maravillas / Me parece que la miseria será más llevadera al sol". 

Como detalle epocal, Guédiguian propone que la llamada “tercera edad” dista mucho de la imagen que había sobre ella años atrás, dado que aquí se habla de personas llenas de vitalidad, con proyectos y mirada hacia el futuro, no dispuestas a perder el tiempo en nimiedades.

En un impasse de su denodado activismo, por ejemplo, Rosa rezongará relatándole a un hermano comunista - que almuerza y duerme con el sombrero puesto - su empeño en convencer a los ecologistas para que luchen contra el capitalismo, rematando la charla con la frase "que estén tranquilos los burgueses: Nunca nos uniremos".

Historia colectiva de gente común, atravesada por la condición de migrante, que tanto comparte unos tallarines a la putanesca, como lamenta no contar con "una vida para ayudarse a uno mismo y otra para ayudar a los demás" (los jóvenes del clan, por ejemplo, realizan tareas solidarias con los damnificados por el derrumbe citado en el comienzo, enarbolando consignas tales como "actúa en tu barrio, piensa en el mundo")

Volviendo a la joven teatrista que introduce la historia, desencontrada desde hace tiempo con su padre, acortará esa distancia cuando el hombre, aludiendo a la citada estatua del autor de La Odisea, le sugiera un digno colofón de la obra comunitaria que desea montar: "Homero no lo vio, pero lo escuchó", gesto que sintetiza lo mucho que sirve el arte para amalgamar vínculos. 

La trama está plagada de envidiables líneas guionísticas dignas de apunte y colección: "Nadie muere tan pobre como para no dejar nada" / "Cómo ganar empeñándonos en perder" / "Cuando uno tiene un libro delante ya no existe el tiempo ni el espacio".

Tampoco faltan hallazgos visuales como el de sustituir un fade out con el plano detalle del oscurecimiento de la pantalla de bloqueo de un celular. 

Resumiendo, un film ideal para convencerse de que, a la larga o a la corta, la buena gente prevalecerá. - 

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RECOMENDACIONES

La Roy, Texas

UNA COMEDIA NEGRA EN LA QUE TODO TERMINA PARA LA MIERDA 

Como el título de esta nota indica, estamos ante una historia de perdedores, narrada al mejor estilo hermanos Coen. Para quien no haya seguido su filmografía, nos referimos a esos relatos en los que - acorde a la Ley de Murphy - todo lo que podría salir mal sale peor, lo cual, a nuestro criterio, en la obra de dichos autores tiene como nave insignia a Fargo (1996) 

Este thriller con pinceladas del humor más negro que pueda concebirse, guionado y dirigido por Shane Atkinson, y ambientado en esa Norteamérica Profunda de paisajes desérticos, carreteras perdidas, y gasolineras de mala muerte que tan bien describieran las novelas de Barry Gifford - algunas adaptadas al cine por prestigiosos directores como el inolvidable David Lynch (Corazón Salvaje, 1990) o Álex de la Iglesia (Perdita Durango, 1997) - se cimenta en la relación accidental entre un marido pusilánime que ama tanto a su esposa que no es capaz de aceptar que esta lo engañe con su propio hermano, y un aspirante a detective grotescamente ataviado al modo texano, que aspira a resolver el caso que lo consagre como investigador privado, aunque las fuerzas de seguridad de la región se burlen sistemáticamente de su torpeza gastándole pesadísimas bromas. Los acontecimientos se irán sucediendo al ritmo de una montaña rusa, enredando a cada uno en la miserable existencia del otro, y escalando hacia un final a toda orquesta en el que CASI nadie saldrá bien parado.

Ideal para espectadorxs afectxs a disfrutar historias de pequeña gente obsesionada por concretar módicos objetivos… con la suerte como inconciliable enemiga. – 

 

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RECOMENDACIONES 

Minore

“LA NIEBLA” DE STEPHEN KING ARRIBA AL GOLFO DE SALONICA 

Minore es un film griego de horror cósmico dirigido en clave surrealista por Konstantinos Koutsoliotas, quien ha trabajado en el departamento de efectos especiales de títulos como El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro, El Callejón de las Almas Perdidas, 1917, Guardianes de la Galaxia y X-Men: Dark Phoenix.

Koutsoliotas lleva ya varios años dedicando su vida a la industria, y aunque su trayectoria más conocida es en el área de FX, ha demostrado un genuino interés por presentarse como un creador legítimo dentro de los géneros de horror y fantasía. Su ópera prima fue O Heimonas, estrenada en 2013, que cuenta la historia de un escritor frustrado y en bancarrota que regresa a la casa donde su padre murió en circunstancias misteriosas. Seis años más tarde presentó The Fear of Looking Up sobre una policía que ve los límites de su mundo cambiar tras la muerte de su amante. Y acaba de presentar el film que nos ocupa, su propuesta más original y arriesgada.

Minore nos cuenta la historia de William (Davide Tucci), joven marino que viaja a Grecia para encontrar al padre que lo abandonó de niño y con el que tiene una conexión musical muy importante. Como es de esperarse, este viaje presenta una oportunidad única para conocer las tradiciones de ese país, así como a varios personajes extravagantes que representan el alma misma de la aldea costera en que recala, frente al Mar Egeo. A esa variopinta caterva de lugareños descriptos a la usanza de Kusturica pertenecen, entre otrxs, un viejo músico que todas las noches toca para un amor ausente, un pintor enamorado de los efebos que retrata, un fisicoculturista desinflado que emula a Conan El Bárbaro, un sicoanalista indolente que no emboca un solo diagnóstico, y una abuela comunista y aguerrida que conserva el cráneo del militar fascista que decapitó cuando niña. 

Lo que parece llevarnos por el camino del melodrama naturalista pronto se convierte en algo totalmente distinto cuando, atrayendo a lxs lugareños hacia las aguas mediante un zumbido digno de una caracola, extrañas criaturas propias de la imaginación lovecraftiana (https://es.wikipedia.org/wiki/H._P._Lovecraft) invaden el lugar destruyendo todo a su paso. A continuación, lxs vecinxs más temerarixs presentarán batalla, constituyéndose en ese héroe colectivo del que hablaba nuestro guionista mayor, Héctor German Oesterheld: https://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A9ctor_Germ%C3%A1n_Oesterheld 

Puede que, en principio, el público eventual se pregunte por qué a cada rato se presenta a un nuevo personaje, pero vale destacar que sus tiempos en pantalla valdrán la pena cuando la invasión se despliegue y toda la historia adquiera un tono diferente, donde la premisa deriva hacia cómo un grupo de inadaptados conformado por artistas, delincuentes y jubilados, trabaja en equipo para acabar con los monstruos, destacando así el poder del arte y la fuerza de la unión.

Será precisamente el melancólico músico veterano quien compartirá sus visiones balbuceando "ya viene", “Los Antiguos”, “La Música de las Esferas” (concepto filosófico que considera que el movimiento de los cuerpos celestes es una forma de música) 

A propósito de esto último, el arma que definirá la contienda no será otra que el buzuki o guitarra del sol, instrumento musical de antigua tradición local, de cuerda pulsada con cuerpo en forma de pera y provisto de un mástil muy largo. Forma parte de la familia de los instrumentos cordófonos de mástil, y tiene una apariencia similar a la de la mandolina. Este instrumento se toca con púa, y produce un sonido metálico abierto, debido a que se utilizan cuerdas de acero fino, o niqueladas, y su afinación facilita la mezcla de acordes de dos notas, bajos y contramelodías. Ahora convertido en herramienta de combate, construirá la alegoría de que solo el apego a la cultura profunda de un pueblo es capaz de enfrentar a cualquier amenaza foránea. 

Sin ir más lejos, dos antiguos griegos descubiertos en el vientre de la criatura madre - lo cual confirma que esta viene engullendo humanos desde tiempo inmemorial -, oyendo el tañir de las cuerdas locales advertirán a lxs resistentes que deben interpretar La melodía de Hermes Trismegistos. A este legendario sabio egipcio se lo considera el “padre de los filósofos” o “el tres veces grande”. A veces se le describe como “el que da una triple enseñanza”, dado que tiene tres atributos: la existencia, la sabiduría y la vida. 

Así, al cabo de presentarnos la cotidianeidad de los habitantes de este lugar, el film da el giro esperado para presentar a estas criaturas voladoras con apariencia de moluscos cefalópodos, precedidas por indicios de invasión que van desde sueños proféticos hasta una extraña bruma que viene del mar. En ese sentido, lxs seguidorxs del creador de los Mitos de C’thul’hu se sentirán familiarizadxs al presenciar estos momentos, aunque estén lejos de la crisis existencial y el tránsito a la locura que ya son costumbre en su literatura. 

Por el contrario, el director prefiere que la llegada de estos seres de paso a un tono humorístico y delirante, donde el equipo de sobrevivientes tratará de defenderse con armas, espadas, los instrumentos musicales descriptos y pistolas que poco sirven ante esa extraña raza tentacular. El film asume el riesgo de presentar a las criaturas de modo explícito y sin reparo alguno ante la precariedad de su animación, como si estuviéramos ante la obra del legendario Ray Harryhausen (https://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Harryhausen) Sin embargo, se agradece este salto de fe, pues el diseño de los monstruos es bastante eficaz y ayuda a establecer los elementos más absurdos que llegan con cada nuevo giro de la trama y que sencillamente no vale la pena spoilear. En esa misma línea, las escenas de mutilaciones, desmembramientos y peleas adquieren un tono deliberadamente grotesco que parece satirizar a los films de Clase B, causando más gracia que impresión.

El plato fuerte del film acaso consista en acercarnos a una tradición latina y plebeya capaz de hacernos sentir a otro país como al propio hogar, y a sus excéntricxs pobladorxs como vecinxs junto a quienes valdría la pena luchar para sobrevivir, transitando de lo cotidiano hacia lo heroico. 

Minore no sólo es una propuesta atípica y divertida que nos permite conocer a un creador ingenioso como Koutsoliotas, también es un film con vuelo poético, que nos recuerda que las historias de fantasía, horror y ciencia ficción bien pueden servir para algo mucho más trascendente que los sustos superficiales o la risa tonta, como en este caso, en el que la amenaza a conjurar tiene como único pretexto demostrar lo que puede un pueblo cuando se une y dice “basta”. -

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RECOMENDACIONES 

LA SEGUNDA VUELTA

CUANDO EL CINE DEMUESTRA LO BELLA QUE PODRÍA SER LA VIDA SI EL MUNDO ESTUVIERA EN LAS MANOS ADECUADAS

Si pensamos que, en la historia de este planeta, en la cual han prevalecido formas diversas y múltiples de equilibrios de los seres vivos con su entorno, el capitalismo marcó una ruptura - y, en sentido más general, tanto el capitalismo como el patrón de la civilización industrial que se replicó en la experiencia del socialismo soviético -, encontramos que esto puede ser catalogado propiamente como un patrón civilizatorio “cancerígeno”. ¿Por qué? Porque lleva al crecimiento desbordado de una parte sobre la base de la sistemática destrucción del resto. Así, se puede hablar del último asalto del capitalismo contra la vida en el planeta. 

En semejante contexto, cabe recordar que las abejas son esenciales para el medio ambiente y para la vida en la Tierra, ya que su aporte ecológico es muy importante, porque son los principales polinizadores de muchas plantas silvestres y cultivadas, lo que permite su reproducción y mantiene el equilibrio de los ecosistemas, dado que el 84% de los cultivos comerciales dependen de la polinización. Además, contribuyen a la biodiversidad de los ecosistemas forestales, ayudan a controlar biológicamente las plagas, ya que un hongo se adhiere a sus patas y se distribuye por el cultivo, neutralizando parásitos y bacterias, proporcionan alimentos de alta calidad como miel, jalea real y polen, y otros productos como la cera de abeja, el propóleo y el veneno de abeja, y - como si todo lo anterior no alcanzara - sirven para alertar sobre los nuevos riesgos ambientales, indicando la salud de los ecosistemas locales. Sin embargo, se encuentran en peligro de extinción y muchas de sus especies están en grave declive. 

A esta altura, el o la lector/a se preguntará, en todo su derecho, qué nos lleva a comenzar esta nota dando un salto en largo entre algo tan macro y algo tan micro. Pues este bellísimo film dirigido y protagonizado por un conmovedor Albert Dupontel - que, para más dato, cuenta con una inolvidable música compuesta por Christophe Julien - contiene la respuesta. 

Su trama nos presenta a una avezada periodista relegada por su heterodoxia a la sección deportes del medio en que se desempeña, recibiendo el encargo de cubrir junto a su leal camarógrafo - suerte de Watson en la aventura por venir - la campaña electoral de un candidato sólo conocido por publicar algunos libros prediciendo catástrofes económicas. En tales menesteres, descubrirá intrigada que algunos personajes que acompañan al improvisado político son referentes insumisos de distintas disciplinas, mientras él promete ser apenas "un servidor de pasado en copa nueva". Sin embargo, a lo largo de su campaña, la protagonista advertirá que ese político no solo trama hacer todo lo contrario de lo que viene anunciando, sino que los dueños del poder están avisados y no permitirán que resulte electo. Pero el hombre cuenta con un gemelo, que domina todo lo que la vida enseña por fuera de las academias. 

Algo más. Una de las escenas más recordadas del film argentino El Secreto de sus Ojos (Óscar 2009 a la Mejor Película de habla no inglesa, Juan José Campanella), y - según la prensa especializada - uno de los mejores planos secuencia de la historia del cine, mitad digital - mitad analógico (recordemos que el plano secuencia consiste en grabar una toma continua con plena unidad de acción, y se trata de una técnica complicada que se considera la danza más compleja del cine) se realizó en dos días. Un día se grabó la tribuna y otro día la cancha y los pasillos, durante un partido entre Huracán y Racing Club disputado en el Estadio Tomás Adolfo Ducó. Pues bien: Favor de recordar este dato si ven el film que estamos recomendando - y vaya si consideramos que DEBEN VERLO -, cuando hacia su tercer y último acto llegue la toma aérea presidida por el vuelo de un halcón. Y no diremos más. -

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RECOMENDACIONES 

ROBOT SALVAJE

INTELIGENCIA ARTIFICIAL

Y MADRE NATURA FRENTE A FRENTE

Los adultos que disfrutamos de la buena animación estamos al tanto de los matices que en el mainstream del oficio diferencian a los productos Disney - bastante aggiornados desde La Sirenita (1989, Ron Clements, John Musker) para acá, en comparación con sus orígenes melodramáticos y conservadores - y los de los Estudios Ghibli, factoría del Sensei Hayao Miyazaki - proverbialmente humanistas, antibelicistas, y sumamente considerados con el rol de las mujeres y las niñeces -; pues el film que nos ocupa no proviene de ninguna de esas mecas del arte en cuestión.

Robot Salvaje (2024, Chris Sanders) lleva la marca registrada de DreamWorks, productora audiovisual estadounidense, fundada en 1994 por Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen, con sede en la ciudad de Glendale, California. Y su película más exitosa hasta hace poco ha sido Shrek 2 (2004, Andrew Adamson y Kelly Asbury), con más de 900 millones de dólares de recaudación.

Se trata de un film que toma algo de cada una de las dos grandes referencias citadas: La versatilidad de Disney para humanizar la fauna silvestre y la conocida calidez desplegada por Spielberg en sus producciones de sci - fi, como E.T. o I.A.

El resultado es la historia de una robot de última generación destinada a brindar soluciones domésticas que, al reactivarse, se descubre arrumbada en una isla virgen. En adelante, desarrollará una enorme empatía con los animales del lugar, al punto de maternar a un gansito huérfano. Ese vínculo la llevará a intimar tanto con las especies autóctonas que poco a poco irá alejándose de su programación original, contribuyendo a la vez a que predadores y potenciales presas aprendan a convivir y respetarse, al menos en circunstancias que amenacen la biósfera común. Cuando sus fabricantes vuelvan a por esa tecnología de punta accidentalmente extraviada, ya todo habrá cambiado y deberán enfrentarse a una fauna que ha aprendido mucho de la relación biología - máquina, y no recibirá dócilmente a esos intrusos.

Relato rebosante de infrecuentes valores, destinado a una niñez 2.0, aporta una profunda reflexión acerca de la relación entre los saberes biológica y socialmente adquiridos, y ofrece una galería de entrañables personajes (el gansito Brillo, suerte de Patito Feo que poco a poco aprenderá a confiar en su propio instinto; el zorrito Fink, que renunciará a su instinto cazador en pos de salvaguardar ese  ecosistema en riesgo; un castor que roe desde tiempo inmemorial el árbol más grueso y más alto de la foresta, hasta que llega el momento de poner en valor su antigua faena… y tantos más) capaces de pronunciar algunas frases memorables, como "¿El humor se basa en la desgracia?", "Los cuentos son parientes de las mentiras", o "La cercanía de la muerte hace que la vida sea más bella". 

Un producto de visión imprescindible para unas niñeces a las que, hasta nuevo aviso, toca crecer en un mundo atroz. -

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